DEMO.

 
DEMO. 一直以富現代感的經典設計見稱，常愛將男裝的經典款式如西服套裝注入新穎的元素。今季的設計系列以傳統女裝高級訂製服與男裝訂製西服作靈感，有如向高訂服的輝煌時期致敬。當時人們的打扮企理四正，不如現今人們追隨的休閒與高街設計來得隨便。
 
 

 

設計師以經典男裝作主導，包括風衣（Trench coat）、長身針織外套及襯衣；注入四十至五十年代間的女裝剪裁，如纖細和極高的腰線、乾淨與傾斜的肩線為設計細節；為求將女性溫柔的一面注入男裝設計當中。

系列中我們能看見一些造型以一條圍巾包裹着西裝外套，有如一件小披肩，是流行於四、五十年代的一種打扮。除了細緻的傳統做工，設計師亦注入了一些當代的設計元素，是一些不常在傳統西服中出現的細節，例如防水 coating 與充滿運動風的設計。

整個系列的造型及場景有如模仿具歷史價值的時裝照片，黑膠唱片機、黑膠碟，還有那充滿復古感覺的沙發和地毯，有如坐上時光機回到四、五十年代的時光。

HANG

 
今季的設計主題名為 Office Hour，靈感是來自辦公室會發生的事，以及帶出辦公室內權力鬥爭的故事。設計師 Mim Mak 指出自己也是老闆，每日要面對很多下屬，曾經自己也做過「打工仔」，下屬的感受自己也相當明白。她認為上司與下屬之間的關係，或者是兩者之間所表達的情緒很不一樣，當中她找到了很多有趣的地方，因此想透過設計來一說究竟。
 

 

Mim Mak 指出，系列中的衣服以辦公室軟件 Excel 的表格設計重心，除了有格子印花的設計，部分款式印有有一些 excel 中的工具如 「倒油」的 小 icon。除了平面的設計細節，部份的款式更運用了立體間棉的造工，務求設計出富立體感的款式。

身掛工作證的模特兒徐徐步入「辦公室」，有的坐下像在整理文件，有的在打電話，有的打開報紙，以紅色箱頭筆畫圈圈，像在影射不滿自己崗位的「打工仔」在上班時的真實情況，另外有模特兒站到中央位置，打開手中的「化妝工具袋」，取出化妝掃整理儀容，相信不少辦公室女郎看畢都會有所共鳴。

直至整個騷的尾升，最後一位模特兒步入發布空間，只有那一位模特兒身穿全身紅色的造型，突然亂掃辦公桌上的文件，地上只見一片紅。有如模仿辦公室中的「女魔頭」，相信每個 office 入面都有一位 Miranda Priestly（電影 The Devil Wears Prada 入面的總編）；其餘的模特兒隨後捧起箱子，一個跟一個的離開「辦公室」，背景音樂也隨即播放「嘆氣」的聲音，回應故事中「被解僱」的落寞感受。

Flower Brooch Workshop by The Spring Is Here

 
筆者有幸獲邀參與 FASHIONALLY 與 The Spring Is Here 舉辦的工作坊，親手設計出獨一無二的永生花卉胸針，創辦人 Cherie 為我們親身示範如何以不同的乾花組合成一個充滿美感的胸針。

在示範的過程中， Cherie 指出不同形態的乾花在扮演不同的角色，長形的可與透過鐵線與金色的半環連結成新的形狀，令整個花圈變成長條形、圓形，甚至是不規則的形狀。另外，帶有莖部的乾花亦可剪成只剩下花形的部份，作為整個花圈的 ornaments；一粒粒白色的花款有如作為珍珠的角色，點綴整個花圈。
 
這個工作坊的體驗是特別的，讓筆者學會從另一個角度出發，欣賞花卉的美學。

能夠在時裝天橋發佈自己的設計作品，相信是每位年青時裝設計師的夢想！多年來發掘本地時裝精英的「香港時裝設計家創作表演賽 」現正接受報名，有興趣的設計師們快把握機會，click 入以下網址看看更多比賽詳情！
 
http://fashionally.com/ydc_application

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離上一篇行內人揭秘六個月後，又有讀者分享個人故事。今回談及的，竟是不能避免的「輸在起跑線」——亦即是「錢」。

若然你問我，沒有家底的話，是否應該避免入行？我會告訴你，沒有錢，其實做邊一行都辛苦。又或者咁講，有家底嘅話，做邊一行都無所謂吧？不過，時裝產業也確實是個 special case，這個外表華麗的產業，逼近一分鐘一滴眼淚的實況，Low pay、工時長，賣了熱誠，換來雞碎咁多錢——都係果句，無錢就是萬萬不能吧。
 
今回（其實我也不知這位讀者是男還是女，因它為人低調）
 
A讀者與我們聊了半天，編輯整理後，列出三大「最窮經歷」，可供有意入行的人作個參考。

1. 時裝產業就是以本傷人！

 
當過設計師，又當過編輯。編輯年資只有兩年就頂唔順轉行了，重回設計師行業。我發現，兩種工作都是以本傷人的！好像現在當設計師，打版、買料全也是錢，香港公司又沒有 budget，要人用 $10 成本扮國際牌子，最後四不像，仲要畀老闆鬧番轉頭！我覺得成本低真的不重要，但至少要有自知之明吧？以前當個小編，上司也是要我按照那些外國雜誌的 reference 拍攝，但問題又無錢買道具、無錢租場。最後影出黎當然像學生功課。相反，我見過有啲有家底嘅人，不論是影相還是開牌子做設計，有錢咩都鬆動啲，買塊布都靚啲啦？所以話，在時裝界工作，貧富懸殊也特別嚴重。

2. 試過無錢過聖誕

 
回想起當初做編輯，試過有很多錢未claim得成就要過聖誕。忙完先知戶口無錢，身上得番幾百蚊要撐完成個聖誕等出糧都仲有差不多十日。所以諗左條橋，就是請同事們來家預早慶祝聖誕（編按：A讀者一個人住）打邊爐，順勢把打邊爐剩下的食物，留黎比自己食撐到出糧。聖誕節平安夜倒數都唔出街，最終剩下的食物真的撐到我出糧果日。但我都有成幾個月無再食公仔麵同丸、腸，諗起都覺得好癲。但同時，又是行內實況，我呢啲自己靠自己，人工低，無流動資金咁濟，有時遲左claim錢就真係窮好耐、捱好多個飯盒先有錢。仲試過因編輯工作經常走來走去，而用長者八達通，但用左幾次就畀人捉，罰完錢就唔敢再用。一句講曬，做呢行，一定要有個錢傍身。

3. 首年冬至不敢回家

 
首年的我還在做雜誌時，剛剛過了試用期，家人叫我回家做節（冬至）。
 
還記得未出來社會工作時，聽過姨姨說表哥冬至不帶家用回家，說他不孝。而剛剛過試用期的我，還未有錢給家人作家用，而那時已加班到9點了，當我到達了地鐵站，最後還是決定回頭，索性跟他們說我加班來不了就算了。那種沒有錢的壓力，我這一輩子都記得。我明白，這一行大多是灑熱血的。但更多的是，本着給你機會的藉口，剝削你應有的工資、休息時間。我也實在是受不了這種香港老闆，才決定轉行的。
 
若然你都有「行內人揭秘」的故事，不妨 inbox 我們的 facebook 專頁！

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對另一些東方設計師而言，例如山本耀司，非常介意用這些非常native的元素，怕人取笑是土特產。

香港出身、倫敦畢業、全球成名（得到Lady Gaga加持）的 Percy 據說將基地設於上海。香港不是沒有創意人士，但這城市似乎真的無法留下他們，這真是我們的悲哀。

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美國設計師Tory Burch於2004年成立同名品牌，用了13年時間就把品牌成功地由成衣發展成為一個生活品牌，涵蓋美妝、香水、配飾、運動和家品範疇，成為知性女士最喜愛的品牌之一。品牌更於1月在中環Landmark Alexandra開設專門店，進一步擴展版圖。

Always inspired by art

 
每次見到Tory，她總是掛上親切的甜美笑容，令人覺得很自在；一頭金得發亮的秀髮加上白皙的皮膚，在印花襯衫的映照下更見迷人，她總是那麼優雅和平易近人。品牌2018春夏時裝騷劃上完美句號，設計師亦感到十分滿意。喜愛藝術的Tory，每季系列幾乎與藝術扯上關係，今季亦不例外。 亮眼的印花圖案可說是Tory Burch的核心，原來今季的圖案源自著名英國室內設計師David Hicks的作品。「非常感謝David Hicks的兒子Ashley Hicks提供繪本，令這個系列變得更有意思。David Hicks敢於冒險、大膽創新，個人特質巧妙地反映在作品之中。他的萬花筒圖案、幾何線條成為襯衫和連衣裙上的印花；鳶尾花圖案呼應他對園藝的濃厚興趣。」Tory如是說。除了眩目的印花，寬鬆剪裁是該系列的一大特色，舒適的寬腿褲，亮白的恤衫，充滿度假風情。

Unexpected development

 
由品牌成立至今，Tory Burch在全球建立超過200家店舖。「我覺得很感動，因為我沒有預期過品牌的設計能與世界各地的女性產生共鳴，她們很支持品牌。當我推出第一個系列時，我想我們將在5年內開設3家商店，結果我們在5年內開了17家。每季，我們迫使自己努力地提出新的想法，以新的方式看事物，同時保持我們的傳統。這很具挑戰性，但這正正是令人興奮的原因，並激發了我們的創造力。」
 
品牌於本月再次開設專門店，Tory Burch Landmark Alexandra徹底反映出設計師的個人品味，店內裝潢色彩鮮明，別富質感；貝殼吊燈、變成燈座的藍白色古董花瓶，還有取材自Tory在西印度羣島度假屋的沙發精緻花卉布料，與品牌個性互相輝映。為慶祝新店開幕，設計師特別推出了「Landmark Alexandra系列」，是2018春夏系列的延伸，印花同樣源自David Hicks的設計，Tory卻以粉嫩色系重新演繹，還有多款取材於經典線條輪廓的連身裙和A字型百褶半截裙，羅緞鑲邊與珠片刺繡令衣服更有質感。

「Landmark Alexandra 系列」與2018 春夏系列一脈相承，靈感源自英國室內設計師David Hicks 的作品，粉色印花圖案令人心情愉悅， 容易配搭。
 
 訪問結束前問Tory如果可以與一位設計師共進晚餐會是誰，並會問他一條什麼問題，「Yves Saint Laurent！我會問他我們可以每天晚上都一起晚餐嗎？」Tory偷笑。

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/ Effortless, cool, grunge, rock chic, and sexy. /

設計師 Laurent Bitton 和 Arik Bitton 指出，如果要用文字去形容 IRO 的設計風格，那就是隨性和型格的，從品牌的設計可見，他們一直相信要將一部分的皮膚展露出來才可表達女生們性感的一面，所以品牌不時推出系帶涼鞋的款式，小短裙，性感的線條，這就是最能刻畫品牌設計風格的一點，是獨一無二的。

Fashion & Music

兩兄弟在建立品牌之前，一直醉心於音樂創作，突然之間由音樂範疇跨進時裝界，旁人聽上去可能感覺這是一個困難的挑戰，但兩兄弟卻不以為然，雖然是兩件很不一樣的事，但他們一致認為這是高興的，因為他們都在做自己喜歡的事，而音樂和時裝兩者之間，其實在某程度上是很相似的：

// 音樂，是將自己所想的傳到人們的耳中，讓大眾去聆聽的。時裝，是將自己所想的變成一款款設計，讓大眾去穿上的。 //

談及音樂對他們的設計有何影響，Arik 表示音樂是給予他們建立品牌的最大動力，因為他們想將自己在音樂找到的風格，學習到的東西，以另一種媒介表達，將自己的觀點傳播到大眾的生活中，而時裝就是最好的選擇。 Laurent 就指出自己在設計衣服時，總愛以藝術角度出發，大部分時間設計的靈感都是來自音樂；藝術和時裝之間，他認為是有着互相影響的關係。

IRO Spring Summer 2018 – Contrast in Extremes

IRO 最新一季的設計系列，是希望將品牌一直想帶出的女性魅力，與一些帶型格的頹廢感作出對比，而近年也越來越流行將鮮豔的色調穿上身，所以，為了迎合市場需要，也在最新的設計放入更多的色彩，從而表達充滿女人味的風格。

讓 Laurent 和 Arik 各選一個最能代表今季的設計，他們首先挑了一件 oversize 的牛仔外套，說這是最能代表 S/S 18 的款式，手袖的部分是以一種十分柔軟的珠片布料而造，閃令令的珠片給人高貴而隆重的感覺，常見於晚禮服的設計中，他們卻將這種布料與牛仔布放在一起，將整件事變得休閒，在此他們嘗試表達的是將兩種極端放在一起，表達一種不失和諧感，而且是新穎的觀點。

他們再拿起另一款設計，是一條以軍裝制服作設計靈感的短褲，希望以紛紅的色調帶出女生的感覺。別看這條平平無奇的高腰短褲好像沒有甚麼特別之處，Laurent 指出要找到合適的比例，高腰得來又不可以過分的高腰，又要找到對的布料，其實是十分講求對細節的執着，他更道出在設計時，能將整個造型的剪裁 (Silhouette) 作出定義，就是下半身的部分，所以，將下半身的線條刻畫得準確，就可將整個造型的感覺提升。

Hong Kong’s Style?

因為工作的關係，兩兄弟需要不時飛到世界各地工作，今次也不是首回來到香港，對於本地人穿衣的風格，他們又有自己的一套想法。他們認為香港人在打扮自己時，其實是十分勇於表達自己的風格和想法的，這就是令時裝發光發亮的一部分啊！將一些看似不能放在一起的東西，每個人以自己的角度將這些混合，從而找到自己的風格，這就是時裝入面最有趣的一部分！

所以，平日我們常以為法式簡約設計平平無奇，其實越看似簡單的設計越考造工，線條越少就越要拿捏得精準，從今天起我們一起學習欣賞法式設計美學吧！

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當然是假設你個名都值幾文錢的時候才問？
 
是的，原來除了「賣藝」「賣身」，還有「賣名」。
 
由於這個問題聯想甚多，我重組一下，再問清楚一點： 你是個有Fans 的設計師，名字有價，某天某大財團出天價收購你的同名品牌，條件不只要你繼續在這家公司返工，還要「買斷」你個名，他日老闆不要你了，你連你自己的名字都帶不走（是的，就是那個你父母賜給你本 以為可以擁有一生的名字）。NOT NEGOTIABLE ！
 
咁，你賣唔賣呀？
 

(左至右) John Galliano、Jil Sander、Romeo Gigli

賣了的慘劇一

 
是的，我唔賣！好彩我出世得遲，見識過賣咗之後有可能發生的各種慘劇，否則咁好的 offer，又有機會又有支票，好難唔心郁。
 
但真的把個朵賣了給別人，有兩個我非常頂唔順的「潛在下場」。
 
第一是「你離開公司後不能再用自己的名字搵食」，就算你自尊不高，情況也會很古怪吧。
 
當年 Romeo Gigli 被人告到離開自己創立的同名品牌，從此不可以用自己名字另起爐灶，結果 Romeo Gigli 明明生勾勾，但 Romeo Gigli 這個牌子則不是 Romeo Gigli 在設計的， 如果 Romeo Gigli 要再設計服裝搵食，則一定要改過另外一個牌子名，或者佢本人改過另一 個藝名化名，總之條line不可以再叫返 Romeo Gigli，甚至 XXX by Romeo Gigli 都唔得，只 可以令人知道是他在背後設計的，但註冊名字和 logo 則絕不可以碰這 10 個字母的組合。
 
同類因為不歡而散而被「奪名」的慘案 其實還真不少，近的有不是 John Galliano 設計的 John Galliano，遠的還有不是 Jil Sander 設計的 Jil Sander。
 
後者更「搞笑」的是，離開後 Jil Sander 有回去過自己的品牌工作了一段短時間，後來還是頂不順再 exit，有點似已經釘蓋的鬼魂太戀棧人世間，靈魂硬要短暫返回自己的肉身 「還陽」一陣。
 

（左至右）Helmut Lang FW2001、SS2005、SS2004 by Helmut Lang

Helmut Lang SS18 by Shayne Oliver

賣了的慘劇二

 
玫瑰不叫玫瑰，仍然可以芬芳，所以有天我要是真的被驅逐出自己的名字，我都有安慰自己的講法。
 
但莎士比亞都氹我唔掂的是，玫瑰的名字被搶也就算了，新主人把它送了給屎，從此情人節男人打電話去訂，送到女人家的竟是12篤冤崩爛臭，試問阿原裝 Rose 顏面何存？
 
是的，我不怕開名，我是看到 Hood By Air 的 Shayne Oliver 打着 Helmut Lang 名義搞了一批自以為盡得大師神髓的恐怖衣服出來， 才嬲到寫這一篇的！當然，更要批評的其實是現在持有Helmut Lang這個的公司和其 CEO 啦！
 
好吧，就算新的接任人沒有把我的品牌做核突了，比如商業上超級成功吐氣揚眉的 Demna Gvasalia for Balenciaga，好多人讚靚甚至青出於藍的 Hedi Slimane for YSL（和之前的 Dior Homme），只要風格上其實並不傳承，其實名字的主人又會不會介意呢？
 
換了是我，我估我是「唔太想的」。
 

Silvia Fendi & Karl Lagerfeld

人死可不可以不留名？

 
或者你會馬上「唓」我，咁其實而家 絕大部分名牌都是「主人留名，由後輩接手經營」的 case， 比如 LV、Dior、Chanel、 Hermès、Lanvin、Balmain、Fendi、 Givenchy……根本普遍到爆，所以也不必介意吧？
 
你問我我會說，如果是自己子孫接管，無論後話如何也真是好好歹歹打死無怨，但如果被賣盤了由陌生人接管，自己再無權干預他們在你的名字下幹什麼的話，我還是寧可自己的牌子，在我收山或死去那一天一齊「摺埋」，雖然王朝無以為繼，但成了絕響至少換到可惜，而且當你在世時如果真的做得夠好，消失的品牌只會升格神話直送妙詩淫，再不用擔心苦苦建立的商標被人整衰。
 
所謂「人死留名」，其實是留事蹟留作品便足夠了， 不一定要把招牌 license franchise 給財團開滿全球才算留芳百世吧， 萬一所託非人，遺臭萬年也未嘗不可能呀 大佬！
 
想深一層，其實我也不知道「離開後把名字賣給別人」還是「一退即收」這兩種人，哪個更自戀？哪個更自愛？
 
人各有志，無好無壞，也沒有結論，但至少提提你，原來還有「不賣名字」這個選項而已。

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1. Alisa Kuzembaeva

Медное пальто доступно в lappartement.ru и через директ #fauxfurcoat #fauxfur #шуба #искусственныймех #alisakuzembaeva

ALISAKUZEMBAEVA（@alisa_kuzembaeva）分享的貼文 於 2017 年 10月 月 29 10:41上午 PDT 張貼

Alisa Kuzembaeva 畢業於倫敦Central Saint Martins 女裝設計，但之前讀過建築，設計誘惑性感得來又有點概念化。其2018春夏系列主題是 “packaged woman.” Kuzembaeva 用食品包裝膠袋結合小資女人造型，拍攝的造型照片有 Balenciaga by Demna Gvasalia味道。Kuzembaeva說，她想用父權社會的元素反諷，從而為女性充權。無論你能否理解她背後的理想，她的作品可穿性都極高！
 
 

2. Alexandr Rogov

Alexandr Rogov對俄羅斯人民而言，本身就是非常出名的stylist同電視節目主持人。近年轉型為時裝設計師，上季(2017秋冬)的天橋系列獲利高度評價，作品可穿度極高，把運動休閑、女性化元素、粉紅粉紫色和羽毛等結合起來。雖然原創度低（有點Dior、有點Saint Laurent、有點Gucci），但總體效果有趣而且順眼。筆者疑問為什麼別人抄考的能力都那麼高？難道真是國家的時裝運亨通？
 
 

3. Turbo Yulia

Yulia Vorobieva 早在2014年便獲得  Opening Ceremony入貨，未來感十足的頭盔和cap帽是招牌貨色。之後她踏足成衣設計，每年推出小型系列。Yulia 的作品有點像Gosha，都是充滿90年代的老套感覺︰運動parka、過大的 concert t-shirt裙，令人想起Backstreet Boys。因為這些就是Yulia 成長時代最hit的東西，也變成了今天最潮的東西。
 
 

4. Mach & Mach

Mach & Mach由格魯吉亞姊妹花 Nina and Gvantsa Macharashvili組成，據說Katy Perry也十分喜歡。作品風格十分奢華而且女性化︰水晶、閃片、反光膠片……有點Valentino的味道。
 
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5. Artem Shumov

男裝品牌Artem Shumov是今年Mercedes-Benz 俄羅斯時裝周亮點之一，Shumov喜歡把傳統西裝與趣怪元素糅合，希望把俄羅斯的過去和現在連接起來。Shumov說，今季的造型是普希金(Alexander Pushkin)時代的學生，也可以是今天的時裝人。筆者覺得花美男styling效果一般，衣服有點過時，但設計師懂得講故事，有進步空間。

Source: vogue fr

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由時裝集團公關要員的身份跳出來，Anson Shum 創立這個主打圓形喼的品牌OOKONN才九個月，反應不俗，剛在DFS開pop-up，這個月又要飛往首爾，也是搞pop-up store，雖然目前只有網店未有實體舖，但創業不足一年，已得到前僱主Bluebell Group注資，海外反應亦相當好，6成生意額都是來自自家網店，不能說大豐收，但絕對不是Anson自己講的，不用一、兩年，已有小成了。
 
品牌短時間內就得到廣泛關注，跟其標誌性的圓形設計很有關吧，問 Anson 會否擔心變成one trick pony?
 
「好貼地的東西通常都啟發到我，例如李錦記蠔油，專注做好一件事，單靠一支蠔油都可以賣到全世界；我做公關這些年來的得着，就是每件產品都有marketable的地方，but without the product，there is nothing to market。」
 

圓形皮喼收納沒難道,外觀亦有個人化印名服務。

 
 
返回原點，Anson原先就是讀時裝設計的，還是倫敦聖馬丁名校學府，畢業後卻沒有正式做過設計，走進倫敦一間古著男裝店從低做起，做改衫師傅，專幫客人或 店子的deadstock存貨進行大改造，改頭換面再拿出來買。該店的工作經驗，叫他遇上《色慾都市》著名服裝造型師Patricia Field。她看中店內一條長褲，然後要求Anson 幫她改至合適尺寸，他想也沒想過會在熒幕前看見劇中要角 Samantha 穿上，「畢業後在倫敦待了兩年，由做placement 沖奶茶學起，學到資深設計師也給機會我試畫試剪紙樣，那時我就有個感悟，無論事情大小，只要用心做好，意想不到的事情就會發生。」
 
兩年後回港，Anson也打定主意要打時裝工，是否設計崗位不重要，只要第 一間肯請他的，不理是什麼公司都肯做，就這樣進了Hugo Boss做Visual Merchandising，做了兩年學滿師，想走，公司又挽留他，建議他轉做 marketing，一做就 10 年。
 
因為做了這麼多年男裝品牌，想試做女裝牌子，Anson 一轉就是女性化到不得了的 Jimmy Choo，品牌在香港的 PR office 規模不大，乜都要做，學到很多，又可以常常「返」倫敦慰思鄉情。之後愈升愈高， 跳糟到 Bluebell Group 一管就是 3 個地區 20 個品牌，但 Anson 開始問自己，做了 PR 不短日子，在行內年資漸長，逐漸安於現狀，開始反思，回想最初為什麼要讀 時裝？自己想做的是什麼？兩年前萌生創業的念頭，心想若果不走，40 歲後更加走不了。
 
走意已決，但做衫卻非 Anson 所願，此時多年的市場推廣經驗便大派用場。「太多人做時裝了，比我更 talented 的大有人在，it’s nothing new under the sun；反而自己多年工作出 trip 經驗，發現大部分人都使用同一個牌子的行李箱，認錯機會很高。大家來到時裝周，悉心打扮想突圍而出，務求表現自己獨有的個人風格，但為什麼買喼方面竟然冇得揀？這個想法一 直好像種子般埋下，直到我要創立一門生意，很自然地我會想到行李箱。」

細袋仔大玩襯色高格調,執行李也要講究細節。

 
 
本着要打破常規的想法，就算起初撞了好多次板，找了超過 20 間廠家，最終透過 3D 打印技術協助，實現了圓形喼的楷模，之後喼轆、皮革手挽等細節全都要找不同廠商製造，整個製作過程都是挑戰，但設計本質就是要解決問題，「所有事情某程度上都是 connected 的，如果沒有多年積累下來的經驗，見招拆招，可能一開始就 stuck 咗喺度。我為品牌取名 OOKONN， 跟悟空發音相近，意思就是取西經的過程也經歷重重險阻，就像每個人的人生旅程都未必一帆風順，箇中滋味卻要親身體會，活出只有屬於自己的獨特人生。」

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Anais Mak 麥雋亭,1989 年生於香港, 中學畢業後到巴黎留學,畢業於巴黎著名 時裝學府 Studio Berçot。留學期間,利 用稀有皮革創作了第一個時裝系列,即獲 Liger 創辦人徐濠縈引入發售,於時裝界 嶄露頭角。
 
2012 年創立品牌 Jourden,首季作品於同 年 3 月巴黎時裝周期間正式登場。迄今 5 年,品牌最大的市場在美國(佔 4 成), 品牌在歐美的推廣工作,亦都交給了巴 黎公關公司 Ritual Projects 搞,這間公 關旗下的牌子有 Vetements,可想而知, Jourden 在歐洲的曝光率有一定保證。但 Anais 仍然堅持品牌基地保持在香港,她 人也基本上是留港派。
 

「作為創作人，應該堅守創作的崗位，以有創意有尊嚴的方法，去跟消費者溝通。」

Jourden 創作總監

 
品牌成立至今,Anais 完全沒有想過離開 香港,雖然她堅持用歐洲的布料造衫,但 構思、起辦都在香港做。至今她選用的布 料來自多國,由法國、意大利,去到如 今連土耳其及台灣也有。「之前大眾對 Jourden 的看法,就是一個香港女子的品 牌,卻用上歐洲名貴布料營造獨特感覺, 其實我幫襯的布家,好多都很小規模,甚 至是家庭式生產,他們不會介意我規模細、 下單少,反而會親力親為跟每個客戶反覆 商量,甚至跟我一起研究新的布料,他們 這種工作方式很影響到我。」

2017 年於紐約 Barneys 的宣傳 campaign。

 
「我的工作模式,是要跟紙樣師傅、裁縫 們聯繫得很緊密才做到的,要很多 back & forth 的過程,香港上一代的裁縫師傅工藝 很厲害,單靠我自己的手工,能實踐不到 多少,但我的想法跟師傅溝通好,他們都 能做到,這種溝通對我來說很重要。」
 
在香港做時裝設計,箇中局限基本上不贅, 政府扶掖不足、商舖租金高到不可思議、 不尊重原創風氣⋯⋯ Jourden 有着早已在 歐美起步的優勢,Anais 反而從來沒考慮 過離開香港。「香港跟歐美相比,創意工 業發展方面當然是 underdeveloped 的, 但香港的零售市場卻是首屈一指的,地方 這麼小,但市場反應速度是快得驚人,每 日我都感受着衝擊同變化,正是轉變這麼 急速,激發我的創作靈感跟動力,這方面 我是不折不扣的香港人。」
 
並不是想專找香港政府的碴子,但連 Anais 也說,政府對時裝業的推動,好 多時是錢花掉了,設計師卻受惠不到。 「好像整天要舉辦很多研討會,請來外國 很多專家與名師,搞些很冠冕堂皇的論壇,車輪轉般三日來見很多人,互相介紹 得來也就完了,根本談不上有何深刻交 流;又如香港時裝周,我不是不想參與, 但它在 9 月初舉行,跟巴黎米蘭的撞晒期,怎會有外國買手及傳媒來?過去幾年，我都在巴黎時裝周期間搞 showroom 及 presentation,時間根本配合唔到。」
 
5 年說不長也不短,是時候來個階段性小 結, Anais說最深刻體會是學海無涯,每 天都有新東西可以學。「因為最初是設計者身份出發,一路走來體會是身份與角色 的重疊與轉變,經營一個品牌和創作者角色不斷的轉換與衝突。正如決定跟 Ritual Projects 合作,因為他們公關及推廣方面的專業,我根本不懂,就交給他們去做。 要認清消費者不是你的敵人,銷售推廣不是我的強項,作為創作人,應該堅守創作的崗位,以有創意有尊嚴的方法,去跟消費者溝通,畢竟創新就是為解決問題。這點是讓我感觸最深的。」

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近年愈來愈多時裝設計比賽出現，發掘具潛力的新血，為扶助年輕設計師品牌發展發揮重要作用。芸芸比賽之中，《國際羊毛標誌大獎》（International Woolmark Prize，下稱 IWP）可謂獨樹一格。IWP 不但給予參賽者技術指導、媒體曝光、業界人脈等重要資源，更比一般比賽提供更多後續支持，例如業界交流和展覽。10 月初，國際羊毛局（The Woolmark Company）首度與上海時裝周合作展開《Woolmark Studio》活動。從生產到設計，以至零售，邀請時尚產業鏈上每一環的關鍵人物進行論壇，藉此打通中國年輕設計師的「任督二脈」，把他們推向世界水平。

過去三年，上海時裝周迅速轉型，成為亞洲年輕設計師重要平台，可謂生機處處。因此，國際羊毛局決定將首次集合了展覽、論壇、培訓與教育的綜合活動《Woolmark Studio》帶到上海時裝周期間舉行。一連三日的《Woolmark Studio》除展出《國際羊毛標誌大獎》六大賽區共十二件獲獎作品之外，更舉辦一連串論壇，讓得獎設計師、傳媒、行業合作夥伴及買手（例如連卡佛）和供應商之間交流溝通。活動場地設於新天地新里，彼鄰上海時裝周主場地，附近亦有不少 showroom，吸引不少業內人士和設計學生參加。

對年輕設計師持續支援

在首場論壇《國際羊毛標誌大獎的「今時往日」》中，中國時裝評論員唐霜與 IWP 大中華地區提名及獲獎選手進行對話，包括斑曉雪（BANXIAOXUE）、Vmajor設計師 Victor Zhu 和來自香港的男裝設計師Six Lee，探討當下時裝設計比賽對年輕設計師有何意義、參賽後的變化和未來發展等。斑曉雪指他本來只為品牌打工，是因為參加《國際羊毛標誌大獎》才開展 BANXIAOXUE 品牌，如今已經發展成擁有數百間連鎖專門店的規模。Six Lee 認為 IWP 的獨到之處，在於它要求參賽者必須採用羊毛作為材質並提供指導，有助於他們發展設計。另外，因為男裝在款式未必如女裝多變，IWP 分男女裝組別比較公平。Six 說︰「我希望用羊毛打造出適合一年四季的服裝，改變大家對羊毛只適合冬天穿著的概念。 Wool Lab 給予我們很多指導，對日後發展產品很有裨益。」深圳品牌 VMAJOR 的設計師 Victor Zhu 分享，參加《國際羊毛標誌大獎》評委團隊中有不少經驗豐富的買手（如日本伊勢丹百貨、香港連卡佛），他們不光是參觀，還會採購。國際羊毛局為他提供生產商方面的支援，最終獲獎系列能夠在中國量產，批發定價維持在 200至 400 美元。Victor 說︰「Woolmark 除令參賽者增加知名度，還會幫我們找尋生產供應鏈，這對並非財雄勢大的獨立品牌而言非常重要。」

時尚業界需要更多討論

第二場論壇《新一代「中國製造」》邀請了中國版《GQ》時裝總監兼中國版《GQ Style》執行主編崔丹，與陳序之（XU ZHI）、PRONOUNCE 品牌設計師李雨山和周俊對談，反思今天中國新一波年輕獨立設計師所面對的反響和評價、機遇和困難等主題。陳序之說，對別人而言，與 Woolmark 的合作一定要使用羊毛是局限，但對他來說更有挑戰和可能性，因為他的品牌風格一向都傾向女性化，需要開發針織設計。「參加其他比賽，設計師只須將原有作品向評審介紹，角色有點商業化和像做marketing 的東西，而 Woolmark 則激發我們從頭設計一個更具實驗性的系列。」PRONOUNCE 品牌設計師李雨山和周俊感謝 Wool Lab 提供的羊毛知識和所帶來的靈感啟發，更認為今次《Woolmark Studio》活動十分難得，對剛起步的品牌意義重大，讓平日難以聚首的時裝設計師互相交流，從討論中學習。「跟《GQ》或是 Woolmark 合作過程中，讓我們得到很多人脈，更重要是幫助我們產品開發，這些一直都有影響着 PRONOUNCE 的未來。」崔丹覺得身為傳媒人，有責任把優秀本土設計師扶持，並表示需要更多類似的交流，讓大家知道業界有什麼難題。「Woolmark 的比賽不是 one-off 的，他們不但推動羊毛文化，更是誠心支持新銳設計師的。我們能做的可能就是在好的設計師旁邊吶喊助威吧？」

時裝世界一切繫於人脈，國際羊毛局在比賽和後續活動上為年輕設計師連結重要資源︰生產、供應、零售、傳媒……等等。沒有把金錢浪費在鋪張的明星活動上，務實地促進設計師品牌的未來，大有香港相關單位借鏡的價值呢。

第二場論壇講者︰左起PRONOUNCE設計師李雨山、《GQ》中國執行主編崔丹、PRONOUNCE設計師周俊和XU ZHI品牌設計師陳序之。

第一場論壇講者︰左起Six Lee、Vmajor設計師Victor Zhu和斑曉雪（BANXIAOXUE）。

1953年成立的《國際羊毛標誌大獎》曾經提拔不少時裝設計精英，包括Karl Lagerfeld和Yves Saint Laurent。

國際羊毛局隆重其事，特別展出《國際羊毛標誌大獎》12件獲獎作品

David Laport獲獎作品

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7月期間Lanvin宣布Olivier Lapidus成為新的藝術總監，《Business of Fashion》立即出文指Olivier Lapidus希望將Lanvin發展成「法國版的Michael Kors」，這番言論一出引起時裝界嘩然。品牌2018春夏時裝騷結束後數天，筆者有機會與Olivier會面，當然不會錯過機會問個究竟，「我沒有說過要把Lanvin變成法國版的Michael Kors，我不知道《BOF》為何要這樣說，這真的令人遺憾，是一個大話。這是垃圾新聞，或許我應該起訴他們。《BOF》的潛台詞是Michael Kors做廉價的東西？我很尊重Michael Kors，我非常喜歡他，他是很成功的。」Olivier淡淡然地說。
 

New Lanvin：Lifestyle & Digital

 
Olivier與品牌老闆王效蘭識於微時，三十三年前於台北認識王女士，當年曾經駐守北京數年時間的Olivier因為工作關係要穿梭台灣、上海和香港。這位幽默的設計師笑說，「你還未出生吧！6月時Madame Wang打電話給我，邀請我加入Lanvin。7月6日是Jeanne Lanvin的死忌，我母親的名字是Jeanne，一切都是緣份吧。Madame Wang找我時，我正忙於準備我的高級訂製系列，我愛我的公司，但她提議：將法國最古老的時裝屋與最新的技術聯繫起來是很好的（Olivier擁有首個網絡高級訂製服裝店Creation Olivier Lapidus），這是他們找我的其中一個原因。我愛我的國家，我喜歡工藝，我喜歡時裝歷史，所以我答應這份工作。」筆者說接手品牌藝術總監這個職務是非一般的挑戰，Olivier回答說他是個fighter，他生於時裝世家，對他來說這是一個不可推卻的邀請。
 
對於這位新藝術總監的方向，他希望把Lanvin打造成一個生活品牌。「Lifestyle這個字由Jeanne Lanvin於1922年提出。 我們不只賣時尚，而是圍繞時尚生活。我希望兩三年後建立化妝品系列，然後是裝飾等等。」

其實設計師的首個系列有很多剪裁上的心思和細節，但在天橋上難以發現。

42 Days to Make the Collection

 
Olivier為Lanvin做的首個系列好壞參半，當然人是喜歡比較的。「我一共用了四十二天的時間去做首個系列，生產約用了十五天。這是一個奇蹟！這是不可能的！在中國卻不難做到。」了解國情的設計師繼續發揮搞笑本色。「8月時公司只剩下我一個人和我的電腦（歐洲人會放暑假），沒有助手。我翻查archive和到博物館，嘗試取得到一些信息：袖子、剪裁、物料，印花等。我用“LANVIN”字母設計師新的印花，用於連身裙上；“JL”變成手袋上的裝飾，以紀念Jeanne Lanvin。」該系列主要用上黑色，Olivier說因為時間緊迫，他不能找對顏色，但他笑說我可以用這樣的解釋，「Jeanne Lanvin認為黑色是最美的顏色。」大廳內又再次笑聲陣陣。系列中筆者印象最深刻是一件紅色的大衣（亦是Olivier最喜歡的設計），因為這令我想到品牌logo Jeanne Lanvin都穿的。一向走高貴路線的Lanvin今季有street style感覺的手袋， Olivier希望藉着不同的設計吸引不同年齡的女士們。
 

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時尚界的 Cinderella 故事都只有一條方程式：初出茅蘆滿懷熱血的灰先生灰小姐，辛辛苦苦創立了自己的小品牌再做做做做做……最後天才被大集團大 fashion house 的王子看中，然後一登龍門入宮坐正從此名名利利享之不盡……一般來說令主人公「起圍」發跡的那間「風水屋」都不會始亂終棄，儘可能都 keep 住營運，提醒別人和自己：這是我的「初心」，大家快來看看我是如何的「勿忘」。因為長情乃公眾一致推崇的做人素質！
 
是的，我姑且把那些「後來的大師」的第一個個人品牌，都魯莽地視為他們的「初心」吧！
 

Alexander Wang入了Balenciaga後「貴料貴做」便魅力盡失，即使重新跳出來，不知何故好像有點「魔術被拆穿」的感覺。

 
 
初心幾錢斤？
 
菜心我就知幾錢斤！初心的價值？因人而異啦，可以差好遠㗎！
 
如果那個讓自己揚名發跡（很少能發達）的「本命Brand」等如每一個 designer 的初心，那麼飛上枝頭後，仍在百忙中分身分心每季出多個 collection 的意義，可能有幾個重量：
 
一，象徵自由意志的夢想！在大品牌門下就算有股票分，始終是打工，打工即是有老細，有老細即是有人要please，不可能隨心所欲追求自己真正喜歡的藝術方向，即使沒有扭曲自己去逢迎，也不能拿出真心的全部，只可貢獻出老闆啱用的那部份。Keep 住自己條 line，至少可以為自己保留機會不受限制地做些真係鍾意嘅嘢。積極點看，就是「賺大人的錢，養細路的心」。在大品牌那邊接客，拿肉金回家貼仔！
 
二，大品牌捧你的時候無論上到火星還是金星，始終不是親生老豆！留着自己個檔口仔，一朝反臉，至少有瓦遮頭，所謂進可攻退可守。
 
三，當初引來金主垂青那些千萬之衫億萬之裙，畢竟都是這個「初心廚房」泡製出來的，留着個人品牌繼續作實驗場，或者可以再誤打誤撞出幾個「可持續發展」的潛力爆款。
 

（從左至右）Balenciaga by Alexander Wang SS10、Balenciaga by Demna Gvasalia FW17、Berluti by Haider Ackermann FW17、Dior Homme by Kris Van Assche FW17、CALVIN KLEIN by Raf Simons SS18

 
 
現實呢？
 
不厭其煩講多次，如果設計師的第一個個人品牌都是他們的「初心」，那麼這些「初心」的下場，很多相信他們本人都始料不及的。
 
隨機抽樣幾個實例：
 
本來最擅長「Fast Fashion 料 Couture 做法」 的 Alexander Wang，入了 Balenciaga 後「貴料貴做」便魅力盡失，即使重新跳出來，不知何故好像有點「魔術被拆穿」的感覺，連個人品牌都 彷彿沒有光芒了，初心算不算被拖垮？
 
本來個人品牌做得還 OK 的 Kris Van Assche， 要做好 Dior Homme 大概令他吃不消吧，泊了 大碼頭幾年後，「初心」已有後勁不繼跡象， 所以索性摺埋，順便向大老闆以示忠貞，也是狠心而聰明。
 
Jean Paul Gaultier 和 Martin Margiela 入 主愛馬仕時幾乎沒把任何招牌個人風格帶進新東家，一切以老闆傳統為先，也是變相明示 「我嚟打工返去養家㗎咋」，雖然兩位當時努力撫養的「初心」，一個「downscale」到只做高訂，另一位直頭提早退休了。
 
John Galliano 也是慘慘豬，因為他的「初 心」原來一早賣掉，一有什麼冬瓜豆腐，連 John Galliano 都不是 John Galliano 做的。
 

Raf Simons個人系列倒是一直做得相當有火，直到去了紐約的這兩季，我都深深覺得，不愧是個基因強橫的 「初心」。

 
 
不如又數數另一些新加入的「現在進行式」，比如 Demna Gvasalia，為了感激伯樂， 近兩季好像把當初 Vetements 賴以成名的精髓都留了給 Balenciaga，反而最近一季2018春夏的「初心」系列已不太壯烈地犧牲了！
 
又例如 Haider Ackerman，他把自己 line最 sophisticated 的東西，都有如「物歸原主」 般還給他們應屬的製作水平― Berluti，他 的初心將會何去何從，暫時我仍處於觀望狀 態，希望幸保不失。
 
至於 Karl Lagerfeld，奇人也！一生揸過 fit 的品牌水蛇春咁長：Fendi、Chloé、Jean Patou和幾乎已經人牌合一的 Chanel 之外， 你還看得出他最「個人」的風格是什麼嗎？ 那條叫Karl Lagerfeld 的系列如果偏是面目最模糊的，那麼何謂他的「初心」也許連老佛爺自己都阿兹海默了吧？
 
百變程度次之的後起之秀叫 Raf Simons， 在Jil Sander，Dior和Calvin Klein年代交出來的考卷縱使有好有壞，個人系列倒是一 直做得相當有火，直到去了紐約的這兩季， 我都深深覺得，不愧是個基因強橫的「初心」。
 
好了，看了這些人初心的下場，我當然都會想到自己，能不能穩守「賺大人的錢，養細路的心」這個宗旨來對待寫歌詞和生活中其他的事，那些初心我還能不能找個地方像通靈保玉一樣供奉着，莫失莫忘？
 
你又點？

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2014年創立眼鏡品牌的Percy Lau，算是近年嶄露頭角代表。從倫敦中央聖馬丁修讀珠寶設計，在導師提議下轉戰眼鏡設計，畢業作品已幸運奪獎（International Talent Support配飾組YKK大奬）、隨之而來廣泛媒體報道（《Dazed》、《Bazaar》）、及名人明星加持（Lady Gaga），起步是難得的順遂；但Percy說：「創作這條路，每個階段都很難，要一百巴仙瞓身才能熬過來。」
 
自言沒有造衫天份的Percy，最初唸珠寶，在導師指引下發現對眼鏡設計的興趣，因本身信仰驅使，喜歡思考天地間萬物規律，特別着迷於科學及數學，感受到造物者創造的奇妙，所以喜歡以此作為設計元素。
 
打破常規的設計，卻叫她連找工廠起辦都有困難。「起初有好幾間工廠一收到設計草圖，已經推掉，令我懷疑自己走的路線是否正確，他們說：『這些設計做出來會看不到東西！』找到工廠肯接，首批訂單質素已經不達標，要推倒重來。終於做出來，又擔心市場接受不到 ⋯⋯ 相信這是每個品牌起初必經階段吧！」
 

IG: @percy_lau_official

 
 
Percy其實無時無刻都在懷疑自己，品牌的理念也是希望作品能引發思考，透過反覆辯證去了解自己、了解世界，「我也曾問自己，我造的算不算是眼鏡？好像缺乏了功能性，但諗深一層，其實我是想大家看到不同的世界，造眼鏡其實是一個傳播工具，從中希望帶出新思維，當中有人認同、有人質疑，大家的意見，我會照單全收。」
 
Percy的設計靈感天馬行空，非常排眾而出，外界期望愈高，壓力愈大，怎樣尋求突破？
 
「市場上不同眼鏡形態基本上也出現過，我們要再發掘可再演變的地方，過程中有不少壓力，其實每一年也很頭痛，要不停做資料搜集，有時我會在網絡中發現抄襲我設計的人，反而被他們批評我創意不夠，但我樂意接受批評，一副眼鏡要有原創性，其工藝、功能十分重要，改良鼻托位置也是鑽硏地方之一，以上都是我愛思考的地方。」
 
常言道「創業難、守業更難」，Percy開了個好頭，怎樣維持競爭力，卻是每個設計師都要深思的問題，「我也曾想過找一個比較有business mind的人來幫我，但適合的人不是說找就找到，好多時計劃根本追不上變化，還是將心力灌注在做好設計上，創作是發現自己的過程，做好自己最重要。」

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本地設計總帶着一份親切感，外國名牌沒法代替。走進小店，設計師親切介紹，一己熱誠，感染他人。作為追夢者，對於時裝的熱情，可以感動人，每每令我真心支持。

設計師：（左）Queenie Fan, Day Lau
年齡：29
品牌：Cafuné
IG: @cafune.official

① 品牌名字是什麼？有特別含義嗎？
品牌名字是葡萄牙文，意指輕撫愛人的頭髮。其實我們想透過產品令客人對品牌有這種情感，例如輕柔與女性化。
 
② 品牌的成立日期？
2015年8月
 
③ 分享一件建立品牌的深刻經歷？
有一次，我們已接了客人的訂單，但一直合作開的廠商突然取消合作，我們要重新找尋其他廠商合作做訂單。重頭開始做樣板，令生產期縮短了很多。幸好新廠商是舊拍檔，品質有保證，亦明白我的要求。經此一役後令我明白要隨機應變和找有信用的公司才能有長遠的合作關係。
 
④ 為了達成夢想，你可以去到有幾盡？
剛開始成立時的第一個系列，我們用了最低成本，最少人手去影lookbook。為了取景，我跟Day（品牌另一創辦人）兩人拿着手袋和衫去尋找一個了無人煙的沙灘。結果我們穿過行山徑，行了大概40分鐘才到達目的地。在烈日當空暴曬之下完成第一本Lookbook。幸好現在有較多budget，終於可以請真正專業的model和攝影師！哈哈！
 
⑤ 怎樣界定現今時裝設計師這身份呢？
現今設計師不再只是限於設計工作。很多星級設計師都參與不同範疇的project，如電影、文化和社會議題等的活動。這樣較有趣又有意義，因為影響力不再只限於時裝，所以現今設計師的理念和所表達的message會對年輕人有很大影響。

設計師：（左）Matt Hui, Lilian Tsang
年齡：30, 31
品牌：YLYstudio
IG: @ylystudio

① 品牌名字是什麼？有特別含義嗎？
YLY 取自我們兩人的中文名：業朗，麗瑜。我們二人都希望可以透過YLY讓大家重新認識了解服裝背後的傳統工藝。而我們二人分別鍾情於針織及刺繡。我們希望從二人小小的力量，不單是建立一個品牌，而且希望可以成立一個工作室，真真正正將服裝背後的藝術和價值帶給大家。
 
② 品牌的成立日期？
2017 年 4 月
 
③ 分享一件建立品牌的深刻經歷？
很瘋狂的，由決定成立到發表首個系列，只用了一個月左右的時間。由紙樣、針織、釘珠、手工，所以都是我們二人和小幫手們的努力，完全沒有廠房製造的。由首先覺得是「不可能的任務」到完成，完全是重新尋回那為夢想的瘋狂！
 
④ 為了達成夢想，你可以去到有幾盡？
Matt 由當初夢想到英國 Royal College Of Art進修，清楚金錢上是難以實行。但就是「一定要」的心態讓Matt覺得人生必要一試，便將個人作品集寄到英國，當得知有面試機會時，連家人亦未有通知便隻身起程到倫敦面試。Lilian 於本地著名設計師品牌擔任首席設計師多年，收入穩定，卻毅然決意飛往巴黎學習刺繡工藝。為了夢想Lilian開始學習法文，不斷鑽研刺繡，及後到巴黎Chanel旗下的高訂刺繡學校Ecole Lesage 完成最高階的高級訂製刺繡課程。
 
⑤ 怎樣界定現今時裝設計師這身份呢？
現今對時裝的界定實在太廣太大，所以現今時裝設計師已不能單單只了解服裝設計。服裝設計的技能當然不能缺少的，而且我們設計的不單是衣服，我們更需要創造一個實際之餘又充滿幻想空間的「時尚氛圍」。

設計師：Zoe Siu
年齡：32
品牌：ZOEE
IG: @zoeebyzoe

① 品牌名字是什麼？有特別含義嗎？
ZOEE是ZOE拼音串法，4個字母拼起看來做logo比3個字母公正和好看，所以品牌叫ZOEE。
 
② 品牌的成立日期？
2011年春天
 
③ 分享一件建立品牌的深刻經歷？
記得有次跟香港設計大使去比利時做一個設計展覽，有一個比利時年長女首飾設計師來到我的作品前，告訴我她長時間對創作已經感到樽頸，於是暫停了，便周圍去看看這世界休息一下。她那次看到我的首飾設計，激發起她一點創作靈感，也鼓勵了她繼續向前創作，我聽到她那番話，我內心很感動。
 
④ 為了達成夢想，你可以去到有幾盡？
可以戶口跌至零，仍然無減卻我對ZOEE的熱情。
 
⑤ 怎樣界定現今時裝設計師這身份呢？
現今好多人傾向跨界別身份，時裝設計師也可以是花藝治療師，而攝影師也可以同時是時裝設計師。不過，於我而言，時裝設計師要對紡織物料、紙樣、衣服構造細節有一定認識，只停留在2D創作還未算是真．時裝設計師。

設計師：Kay Li
年齡: Too old
品牌：Kay Li
IG: @kaylithelabel

① 品牌的成立日期？
2012手10月
 
② 分享一件建立品牌的深刻經歷？
我有幸於今年4月參加了在上海舉辦的onTimeShow抱着戰戰兢兢的心情到上海，不太了解當地市場及他們對於我偏向簡潔的設計的反應。我出乎意料地愛上了這個城市，跟我15年前到訪的時候完全不同。中國的買手們開放且接納新事物的態度令我感到驚訝，他們對於我的品牌故事感到興趣，更尤其支持我品牌所主張的表揚並為女性的個性化及多樣化賦予力量。
 
③ 為了達成夢想，你可以去到有幾盡？
從一開始我的夢想便是成為時裝設計師並擁有自己的品牌。這已經成為了我生命的一部分，我不能想像它從我的生命裏消失。我經歷了無數的跌跌撞撞，從中學習了很多，才爬到今天這個位置，我會繼續傾盡全力，永不言倦。
 
④ 怎樣界定現今時裝設計師這身份呢？
時尚設計師就是產品設計師。我們需要創造出優質的產品，為客戶增添價值，而不只是純粹設計出另一件漂亮的T-shirt。時尚業是世界第二大污染最嚴重的行業。設計師需要教育我們如何改變這一點，採取行動打擊氣候變化。假如你不喜歡你的公寓，你可以搬到一個新的地方。但如果選擇繼續摧毀我們最終的家園──地球──就沒有別的地方可以去。所以我們要好好利用自己的創造能力去創造,，而不是摧毀。

設計師：陳苗
年齡： 35
品牌：Still House
IG : @Stillhouse.Haven

① 品牌名字是什麼？有特別含義嗎？
Still有靜態的意思， Still House就是一個以「靜」 為主題的空間，讓客人可以在不被打擾的環境下待着、看書、甚至購物，在認真考量過的情況下尋找真正需要的事物。
 
② 品牌的成立日期？
2016年底。
 
③ 分享一件建立品牌的深刻經歷？
剛開店的時候，資金緊絀，大部分裝飾都是親手做的，當時要把製作傢私的木材從地下搬到三樓，來來回回十多轉，完全出盡九牛二虎之力。
 
④ 請為了達成夢想，你可以去到有幾盡？
應該是對時間及自由的犧牲吧。
 
⑤ 怎樣界定現今時裝設計師這身份呢？
首先，我不認為自己是一個時裝設計師，我並沒有創造一種新美學的能力，我只是把自己認為好的設計、服飾重新演繹，所以沒有資格評論設計這回事；至於我對現今時裝設計師這身份的看法，想法是消極的，我認為時裝設計已經是一個夕陽工業，在現時這個資源短缺的年代，我們需要的，應該是布料研法或新的製造服飾方法。

設計師：Kenson Tam
年齡：23
品牌：Kenson
IG: @kenson_official

① 品牌名字是什麼？有特別含義嗎？
英文名本身是Kenny，但後來覺得名字欠缺男子氣概，所以改名成為Kenson。回想這個行為很愚蠢但亦令設計師有所反思，所以繼續以Kenson作品牌名字以作提醒。
 
② 品牌的成立日期？
2017年1月。
 
③ 分享一件建立品牌的深刻經歷？
在做第一季秋冬系列的時候，有幸被邀請到日本作期間限定店。當時還未完成系列的lookbook，然而卻要一些圖像作宣傳，所以在上機前的8小時在工作室通宵為系列拍攝，在沒有充足的準備下即時找model和book studio，然後一手包辦所有東西。完成拍攝後便直接收拾行李上機。
 
④ 請為了達成夢想，你可以去到有幾盡？
可以把睡眠當作娛樂，把水當作可樂。不要讓自己感到幸福、滿足和快樂。把這些depression 成為創作靈感。
 
⑤ 怎樣界定現今時裝設計師這身份呢？
沒有方法界定，但是認為現今時裝設計師是在尋找新的方向來挑戰人類的接受程度，或是以設計師身份以作品反映我人思想，文化和社會現象。

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若說時裝是一種需要，倒不如說是慾望。走過喧鬧的八、九十年代，見識過最妙想天開的世界，我們開始信奉返璞歸真的美好─是故Minimalism登上主流，bold、geek、fancy歸邊為小眾口味。八年前出現的Mary Katrantzou，卻為簡約得幾乎寂靜的時尚圈帶來了一絲躁動。從錯綜複雜的數碼印花起家，以hyper-real風格引來關注，甫出道即入選英國時裝協會新秀計劃並奪得Swiss Textiles Award，更壓過不少大名字成為知名買手店Net-A-Porter、Harrods的暢銷品牌。與其說Mary Katrantzou的走紅有賴於出色印花，不若說，她喚醒了我們沉澱已久的慾望。
 

Print is Sensational

 
訪問當天，Mary Katrantzou比任何人都更早抵達，將櫥窗以至店內的衣服陳列重新搬動一遍。對美的偏執似乎是所有設計師的通病， 在Katrantzou身上卻有另一種說法。「比起好不好看，我更關心有沒有將背後的意念清楚傳達。正如繪畫sketch的時候，我往往不會意識到我是在創作時裝，我只覺得我有些說話要說，有些情感想傳遞，然後就會自然地動起手來。」Katrantzou終於安坐下來，邊呷着手中的咖啡邊說。
 
Katrantzou生於雅典一個creative family，受母親影響報讀了室內設計，再投身於父親本業的布料設計，卻始終覺得有所不足。直至遇上Marios Politis，從此徹底改變了她的方向。「最初我並非想做時裝，只是非常喜歡這個男孩，就不顧一切地跟他去了倫敦。」說着連她本人亦忍俊不禁。「從前我認為時裝純粹是種關乎表面的東西，但當有日我看見身邊的朋友實實在在地交出了一件衣服，穿在身上展示出迷人的動態，我突然覺得自己一直錯過了一些樂趣。」於是，她踏進了Central St. Martins時裝設計學系的大門。2008年的畢業作品，她利用數碼印花技術做了一個小型系列，「當時數碼印花科技開始普及，來到時裝仍是個嶄新領域，我的個性就是喜歡向難度挑戰。」手法固然是一回事，但更重要的是呈現什麼：裙子印上巨大的立體珠寶圖案，強烈的視覺衝擊成功引來了導師，以至媒體與時尚界的目光，「我相信所有人都喜歡有故事、有情感的衣服，這也是我設計時的起點。在思考印花圖案的時候，我覺得沒有什麼比珠寶更能勾起女性心底的慾望─包括我自己在內。我認為印花不止是一種美化衣服的手段，它具體而直接的視覺呈現，正好能夠給予服裝更豐富的內容。」
 
// 比起好不好看，我更關心有沒有將背後的意念清楚傳達。正如繪畫sketch的時候，我往往不會意識到我是在創作時裝，我只覺得我有些說話要說，有些情感想傳遞，然後就會自然地動起手來。 //
 

印花，從此成為了她的個人標誌。品牌從2009年秋冬正式於倫敦成立，隨後每個系列，選取的題材往往叫人出其不意：3D幾何圖像、室內設計線條、香水瓶、茶杯、不規則的金屬塊；各種hyperreal圖案，看似風馬牛不相及，組合起來卻有種說不出的和諧。「從小我就喜歡將不同的東西左拼右湊，然後慢慢找出連結起它們的脈絡。雖然對建築只是半途而廢，但它令我對平衡與對稱有着特別強烈的觸覺，也主導了我對美的看法。」
 

A Whole New World

 
從表面來說，Katrantzou的靈魂就是”Print”，她本人卻不是十分受落。「也許與布料設計的訓練有關，我習慣由零開始建構作品；對我而言，作品的價值是散發自整體的獨特性。有人說過數百元就買到差不多的印花；的確，要與fast fashion的印花作出區分，我着眼的從來不止於漂亮的圖案。每一季，我都花上極大努力去取得技術突破，例如將印花轉移至新的面料（好比如在她口中是場噩夢的雪紡印花），或嘗試另一種印花手法，還有衣服本身的輪廓。這些元素是相輔相成的，情況就跟建築差不多，將一個組件配合上另一個組件，背後都有着深思熟慮而邏輯性的考量。」2011春夏是其中一個記憶猶新的系列，室內裝潢印花融合於燈罩形狀的裙襬，平面與立體交錯，衣服彷彿成了一個有趣的異度空間，「印花不應局限於平面或單一的呈現方式，我一直試圖去跨越這框框。」
 
Katrantzou口中的跨越，或可視為回歸到布料本身。2012秋冬，她作出了一次頗大膽的嘗試─首次找來傳統法國工坊Lesage合作。系列印上各種放大、扭曲的日常物品：浴缸、花瓶、打字機、叉，其中一條連身裙，以密密麻麻的鉛筆鋪陳出圖案，看得在場人士目瞪口呆。「印花已經成為了我的設計核心，但我更想將之化成基礎，添加各種各樣的可能性─例如更獨特的質感。」她笑言製作過程差點令工坊所有人崩潰，「我把要刺繡到裙子的材料送過去，他們赫然發現是一大捆附有擦膠頭的黃色鉛筆；但我想最後他們都樂在其中，否則都不會有之後的合作出現吧。」不斷地超越眼前，每個成功故事大概都需要這麼一點野心─在製作上的不安分，在六年間更是無分界別地延伸。由Topshop、Longchamp、Moncler、Gianvito Rossi，到adidas的聯乘企劃，Katrantzou的創作範圍可謂層出不窮，「我的時裝一向比較小眾，也有自己想要堅守的原則，所以有些設計雖然感興趣，卻不能貿然加入系列之中。但通過與其他品牌合作，我可以更自由地開闢出全新的空間，踏出自己的界限，嘗試前所未有的創作模式。」

// 印花不應局限於平面或單一的呈現方式，我一直試圖去跨越這框框。 //
 
2017秋冬系列，Katrantzou潛入華特迪士尼1940年的音樂動畫《幻想曲》，創作出一個華麗又夢幻的童話世界。可愛的仙子、精靈和動物，在設計師的巧妙處理下，以暗色系的薄紗配搭，令那些晚裝成為大部分女士們不能抗拒的華衣。從星空到海洋，Katrantzou用閃亮的元素拼湊出一幅幅美麗的畫卷。刺繡、珠片、印花及流蘇等精美工藝的運用，串連了今季夢幻的成衣系列。

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一切看似理所當然。父親是著名時裝設計師John Rocha，第一次出席時裝周是在嬰兒搖籃裏面；然後往後的人生中，每六個月從沒間斷。直到2010年自己的設計第一次踏上天橋，並火速成為時尚界的新寵兒――作品登陸過倫敦Dover Street Market、Selfridges以及巴黎Colette的櫥窗；晉身LVMH prize的最後十強，再捧走了亮麗的British Fashion Awards。你大可不是味兒地稱之為父蔭，但只要細心看過Simone Rocha這幾年來的作品，很難不認同她今天的成績。也許花巧，也許華麗，但真正引起共鳴的，是Simone筆下難得的誠懇。
 

Born to be…?

 
都說設計師是辛苦活。剛在倫敦完成了發布會，轉頭就現身於巴黎的showroom，為各個買家親自講解新設計。少不得還要應付這名中途插入、由香港前來的雜誌記者。「剛開始成立自己的品牌時，事事都要親力親為，包括向前來的買家介紹新一季的設計。現在雖然有一班同事幫忙，但我仍然喜歡與買家面對面，近距離觀察、了解他們的反應與意見。」眼前穿着一身黑色的Simone Rocha魄力依然，卻難免有一股掩蓋不了的疲倦。人人以為成長於時尚世家定必耳濡目染，Simone卻坦言，成為時裝設計師從來不在她的考慮之列。「十來歲開始我就在父親的時裝騷後台幫忙，深知道當一位時裝設計師要付出多少努力與汗水；外面的人往往只看到風光的一面，設計師在後台所承受的巨大壓力，是非常恐怖的。」於是與其身處鎂光燈下，Simone將注意力轉向製作部。與當時John Rocha的布料設計師成為好友，近距離目擊不同的布料的織造過程，結果卻成了影響至深的一段經歷。「與其說愛上時裝，我覺得我更似是愛上了布料；對不同的編織與漂染過程產生濃厚的興趣，彷彿每一匹布都是一件藝術品。」

// 設計時好像在編寫一篇故事，而我自然而然地將個人情感投射其中；對我來說，這也是設計中最重要的價值。 //

Girly vs Granny

 
於是還是步上了父親的「後塵」。在故鄉都柏林到倫敦的Central Saint Martins，傳奇導師Louise Wilson成為了Simone最重要的mentor。「做了幾個系列之後，我記得Louise對我說了一句：”Stop looking at girls in Victorian dresses, go look at porn ！ ” 聽罷當然嚇了一跳，但消化過後深深明白她的用意。」出道至今，Simone讓人印象最深的，應該是那種小心刻劃的少女味。衣領上大大小小、起落有致的珍珠裝飾；圍在裙邊、錯落分佈的蕾絲；在純真與性感之間來去徘徊的透視；當然少不得，幾乎成為Simone staple、人稱”ball dress”的娃娃裝剪裁。Louise Wilson口中的維多利亞影響顯而易見，而將古典唯美與edginess接軌的，無論是否porn的功勞，都肯定是Simone獨到的設計語言。無論本身屬於何種風格，每一位女性都能夠在Simone的作品身上找到共鳴。「對我來說這是天大的嘉許。我不懂得去分析這些共鳴感從何而來，但對我來說，每一次創作都是與顧客、也是與自己的真誠對話；我沒辦法去矯裝成別人，每一筆都是發自內心。」
 
少女風格不是新鮮事，來到Simone手中獲得新生命的原因，靈感之源是重大的關鍵。父親在香港出生，Simone每年總會回來幾次探望祖父母；除了對香港有種無以名狀的親切感，讓她最興奮的，竟是街上穿衣別樹一格的婆婆們。「這些婆婆實在給我太多啟發了。我記得第一次到來，看見她們身上跳躍的色彩，各種風格的衣物配搭在一起，還有手邊那些美麗的古董手飾與手袋……我敢說，你不能在街上找到兩個風格一模一樣的婆婆；比起許多年輕人，她們有着更強的個人風格呢。」Simone與祖母之間的深厚感情，更成為了設計中最重要的感情因素；幾季下來，在不少細節中細訴對祖母的緬懷。珍珠項鏈、及膝的絲襪、甚至以暖水壺為原型的手袋，祖母的身影可謂無處不在。「設計時好像在編寫一篇故事，而我自然地將個人情感投射其中；對我來說，這也是設計中最重要的價值。」

// 我不相信出色而製作認真的設計，在這世界上，只有六個月的賞味期限。//

Never Expired

 
Simone的真誠不見得只在形而上止步。作品初面世時，讓許多來自紐約Barney’s、倫敦Selfridges等經驗老到的買手大吃一驚，除了成熟非常的風格，還有媲美許多國際品牌的高質量製作。從小對布料的近距離觀察，讓Simone比起同期的新晉設計師，更熟悉不同面料的處理與運用；血液裏的藝術基因，更促成了許多意想不到的新發現。「我非常喜歡法籍藝術家Louise Bourgeois。一次在她的展覽中，發現她用了許多、通常用於地毯的編織錦（tapestry），追查之下原來Bourgeois家族擁有一家製作編織錦的工廠。於是我親身到訪了工廠，觀察這種布料的編織過程──我馬上愛上它的細緻花紋與獨特的質感，決定嘗試用到設計之中。」結果成為了2015年秋冬系列的最大亮點。編織錦為Simone的簽名作”ball dress”添加了新鮮的輪廓；硬朗線條配上荷葉邊與花卉形狀的鏤空，剛好平衡了滿瀉的少女情懷。
 
推出不過十季， 作品已經登陸了許多設計師夢寐以求的店舖，更被Karl Lagerfeld點名嘉許，Simone的事業可謂如日方中；卻在最近迎來了丁點負面評價──幾季下來，風格似乎在同一個框框內徘徊。「相比起父親那一代，當下的時尚工業無疑變得更無情；一切以超速的步伐向前走，對設計師的要求也是難以置信地高。要在這樣的一個生態下，專注做自己的事，絕對不容易。每季在尋求突破之餘，我希望能夠延續上一季未說完的故事。假如這一季讓大家歡喜若狂的鞋子，下一季徹底變成另一種風格，回看那雙鞋子便會馬上變得老土過時──這些才不過是六個月之間的事！我不能想像自己的心血被嫌棄，更別說花了許多時間精力去製造這些衣物的人們。我不相信出色而製作認真的設計，在這世界上，只有六個月的賞味期限。」

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Silvio Chan

「有人肯學，就繼續教，處境多艱難也不悲觀。」

做過個人品牌（37^o2 in the morning）、當過創作總監（中國品牌李寧）、教書（理工…‑SCAD）、辦學（Alternatif）、間中書寫時裝文字 & &要談時裝夢，Silvio劈頭就說:「這個階段過去了，追又追過，呻又呻過，如果有人肯學，就繼續教，你說是幫助別人追夢，或是經驗傳承，都可以。」
 
90年代香港時裝，曇花一現的短暫風光，「2000年打後，潮流走向casual、sportwear，一套tracksuit走天下，90年代講concept及intellectual那套已sell不到了，地球這麼大，卻連一位Chalayan也容不下。」

Silvio和學生Mim Mak在火炭Alternatif 工作室進行一個時裝graphic project。
Mim參與競逐2012年度的香港青年時裝設計家創作表演賽（YDC），奪得全場總冠軍，隨後創建自己品牌，現在已是香港年青設計師的重要一員。

 
 
前景看來十分黯淡，Silvio卻說不。「我今年56，給自己10年繼續教。學生們想法都類似，就是只愛做自己鍾意的東西，這個是最理想的狀態，但時裝不只創作，還是一門生意。我有個新計劃，不是只教，而是由設計到起辦到生產再到推廣成立品牌，計好晒條數，當正business來做，希望能夠go hand in hand將創作落實見到成果。現在我帶瞂一位Alternatif學生試行，遲一步考慮公開召集，不需任何履歷，只看passion；十年內怎樣也教到4至6個吧！Antwerp Six都只是6個，卻影響全世界。
 
「我跟學生說，窮不要緊，窮也有窮的做法，做一個系列8-10套衫、20多件頂盡，起辦生產都是有限錢，也不用期望能贏得全世界，認清自己定位，主流打不進，100個人有90個都不買，但當中有5個人喜歡你的東西，已能站得住腳了。處境怎樣艱難，也不用悲觀。」  

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「不做mass production，才是出路。」

Henry Lau

曾應邀到澳洲 Mercedes-Benz Fashion Week 行騷，當中富 embroidery 的細節吸引了中東的買家，之後SPY開始在中東杜拜有售，生意不俗。
 
要數利時代表人物及品牌，肯定有Henry Lau及其個人品牌 SPY HENRY LAU 的份兒。
 
Henry 95年在理工大學時系畢業，一畢業就自立品牌，在金巴利道樓上鋪開設studio，再轉戰嘉蘭圍，「我租了全利時最大一間鋪，是第一個進駐的時裝設計師，亦是最後一個離開；12年起，租金升得太厲害（20 萬一個月），決定離場。」這段日子，高級品牌的時裝世界離大眾太遠，如想afford一個獨特的個人look，唯本地設計一途；可是，fast fashion進駐，自由行的影響，大眾的看法劇變了。「我找鋪開店，業主寧願租給藥房、珠寶店；客人去買 fast fashion，再跟我說：『現在流行casual （多謝 Normcore），沒機會穿你的衣服啦！不用這麼好手工及細節啦！』。」高峰期曾有過6間店，現在，Henry只保留中環及銅鑼灣兩店，眼見外國遊客拎住一袋二袋Zara、COS走入來，「這些就是我的competitors。」
 

Henry自己一手策劃的時裝騷，05年春夏季度於西港城舉行，主題是Treasure Island ，當年超過40位明星及Model相助，包括甘國亮、草蜢、余安安、何韻詩等。

 
 
97年開業，剛剛好20年，想到Margiela離開自己一手創立的牌子、巴黎Colette結業，無獨有偶都是20周年「慶」，這個年份是一個關口嗎？「曾經有人想買下SPY，發展變成又有運動服又有內衣的牌子，我有心動過，20年真似一個關口，但好像要將自己BB送給別人，還是決定不賣。」世界變了，堅持走下去？「發大去搞不是辦法，應以細規模為主，delicate一點，每款只此一件，不做mass production，這才是出路。」

「是要靠自己去爭取的，不可一味『賴』這個環境缺乏條件來成就自己。」

Kay Kwok

如果可以與一位設計師共進晚餐，Kay Kwok 揀Alexander McQueen，「有設計觸覺的designer很多，真正有才華的少，我會問他是否快樂。」
 
利時之後，香港時裝處於迷惘期，但，仍有不少後起之秀勇於另覓夢工場。Kay Kwok 理工大學畢業後，去了 London College of Fashion 攻讀碩士，以 digital print 為主打的畢業展，得到媒體關注，一天收到中國《GQ》的電郵，贊助他參與倫敦男裝時裝周，Kay是第一個以學生身分被選中的幸運兒，現在國內炙手可熱的設計師 Xander Zhou，也是成立了自己品牌後才被選的。「夢想達成了！」他懷瞂不可置信的心情想。
 
參加過兩季時裝周後，他開始心思思做點其他的事情，「06年開始讀設計，已浸淫了一段頗長時間，我是一個喜歡驚喜的人，一有機會就做其他事，為雜誌供稿，為做演唱會做 costume，教書，開workshop，參加比賽等等。倫敦男裝周之後，的確是一個好好的時機去發展個人品牌，但我做 business 的能力和經驗尚不足，與其花錢硬撐自己 brand，寧願嘗試其他東西，開啟其他大門。」
 

Kay Kwok 過去一直以充滿視覺衝擊的digital print為設計重點，不規則和較寬鬆剪裁亦是其一大特色。

 
 
眼見香港其他年輕品牌，每季捱住去做，令他漸漸明白得到，做 brand 與做 design 實是兩碼子的事，「做 business 要留意市場，做設計則十分自我，只做喜歡的顏色和剪裁，兩者之間，我希望取得平衡，既可以建立個人風格，又設計可穿性高的服裝。」最近，Kay 穿梭於倫敦與香港之間，專注設計，工作室設於倫敦，回港監督 production。
 
「香港金融地產主導，創意行業需要時間培養。我不想批評政府，很多東西是要靠自己去爭取的，不可一味『賴』這個環境缺乏條件來成就自己。既然香港本來就是沒理想的先天因素來造就，那麼，作為設計師就要更上進，不妨多參加不同比賽，多想方法讓別人看見自己的作品；這正是當初我堅持去倫敦攻讀 Master 的原因。」赴笈英倫，得到的比一紙證書更多更豐厚，「政府有不足之處，但香港仍有不少時裝團體支持本地設計師，很多 funding，大前提是你要夠積極去爭取。接觸設計近十年，我常想，如何令自己在設計上進步？印花之外，我還有什麼地方可以 develop？」

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看到Rene Chu（朱熺暘），你可能與筆者一樣，覺得她似模特兒多於眼鏡設計師，天生一副好骨架和靚樣，這位前模特兒數年前看到Lady Gaga在MV佩戴Linda Farrow × Jeremy Scott的米奇眼鏡後，激發靈感，讓她覺得眼鏡設計的發揮可以很闊。加上Rene在大學修讀Product Development，這令她更順理成章追尋設計夢，決定成立太陽眼鏡品牌Revé by René。品牌的第一個寶寶是可拆式貓耳太陽眼鏡，一出世已受到一眾明星、時裝人和普羅大眾歡迎，更令她開業不久就得到巴黎潮店Colette引入其設計。
 

你相信bad taste這回事嗎？

在設計學上當然有一定的原則，如顏色、比例、空間運用等方面。我認為bad taste是當有些人試圖成為另一個人，被他人的風格啟發是可以的，不過就像設計與藝術一樣，fashion本應是用來表達自己，否定自己的獨特之處是很可悲傷的。
 

你對「時裝車禍」有何看法？

創新往往會受到批評。我認為無論是在fashion還是生活，真正的災難，是讓未知的恐懼阻止你嘗試新的東西。因此，我自己偏向大膽和實驗性。願意踏出第一步是至關重要的，如果連踏出第一步的勇氣都缺乏，將不會有任何的發展。設計師和藝術家都需要有冒險精神，這是我們做創作的基礎。我想有時候我們應該出走，或是放下手機和停止上網，嘗試獨處，聆聽自己的聲音和意見。

Rene以破格的太陽眼鏡設計為自己打出一片天

你的fashion faux pas是什麼？試過失手嗎？

我曾經穿過一件泡泡糖粉紅色的怪物圖案毛衣，那隻怪物露出兩排大牙齒，朋友說我看起來像那隻粉紅色怪物向我嘔吐般！哈哈……
 

你曾於美國居住，又不時周遊列國，怎樣看香港的fashion scene？

香港人特別喜歡從日本和韓國的時裝借鑒，同時又接觸到來自世界各地的時裝，令香港人能夠以獨特而有趣的方式融入自己的風格，推動時尚向前發展。
 
 

請用三個字描述你的風格

Sleek、soft、stimulating。
 

穿衣打扮最重要的是：舒適、漂亮抑或創新？

三者都很重要，當你感到不舒服時，很難會覺得特別的創新或漂亮。
 

你日常喜歡穿什麼？有所謂的制服嗎？

Silky pajamas。
 

誰是你的style icon？

Iris Apfel，因為她活在他人的期望以外。

Revé by René 最新系列，可以自由加上可拆式磁石字母。

你如何設計出讓消費者產生共鳴產品的同時，又保持個人美學？

每個人對authenticity都會產生共鳴感。我設計的太陽眼鏡源自自己的經歷和現實生活，這不是一個有意識的過程，所以結果往往是較抽象和富情感的。藝術更多的是如何擺脫自己原有的方式，真誠地與觀眾建立connection。

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若然對他還不熟悉，不妨以下列8點趣事認識這位時裝界超級新星。

1. Craig Green 年輕時就是一名童軍。（或許如此，作品不乏與童軍服飾類近的元素）

2. Craig Green於2014年British Fashion Awards獲得新興男裝設計師獎（Emerging Menswear Designer） 。

3. 在成為設計師前，原來Craig Green想成為一名肖像畫家：在藝術方面的發揮，好像比其他東西都更好…所以我想成為一個畫家或雕塑家，或類近的東西…

4. Nick Knight 表示，Craig Green的作品為男裝設計師開闢了新方向，鼓勵他們推出更大膽的設計。

5. 來自Craig Green的第一個系列——AW13的“Fence Face”（有如其他經典的系列），是歷年來最具爭議的一個系列。

6. Craig Green在Lady Gaga手上獲得了2016年度最佳英國男裝設計師獎。

7. 在申請之前，他從未聽說過Central Saint Martins（what!）。 「實際上，我不知道Central Saint Martins是什麼（笑）…我很天真，我在比較頂尖的地方學習藝術，這是我享受的。然後那兒的人告訴我：哦，你必須申請Central Saint Martins，那兒就像設計界內最好的地方。；所以，我就像『好吧，我會申請』…」

8. Craig Green曾經在安特衛普的Walter van Beirendonck實習。

剛巧男裝設計師Craig Green正在推出一款Core Collection系列。它包括一系列衣櫃的必備品，包括褲子，T卹，襯衫和外套。服裝採用不限季節的元素，例如是實用的羊毛和棉布，配合防水面料製成。靈感來自品牌最具代表性的款式，該系列旨在創建一個每日Craig Green衣櫃。情況就如一些復刻系列、又或是Comme des Garçons的 Comme des Garçons Comme des Garçons般，以實穿為主。

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不時在Instagram發文而招惹是非的Dolce&Gabanna設計師Stefano Gabbana， 最近亦有新「搞作」，他轉載了一張被指抄襲Vivienne Westwood頸鏈的相片，驟眼睇是百分百的copy，似乎沒有重新演繹。Stefano大方承認品牌抄襲西太后的設計，並表示「係呀，我哋係抄嘢！當年我哋太愚蠢和無知，要同西太后這位天才致歉，只怪我們太留意她的設計！」留言大多數讚揚Stefano，敬佩他誠實謙虛，但亦有人說他忘記了承認抄襲 Jean Paul Gaultier的corset dress。

Chanel於2016年同樣被指控抄襲，蘇格蘭設計師Mati Ventrillon在個人Facebook發放對照圖，指老佛爺Karl Lagerfeld的Metiers d’Art工藝坊系列抄襲她以費爾島（Fair Isle）傳統圖案設計的花紋織布作品，品牌經調查後承認靈感來自Mati Ventrillon的設計，並向她道歉，亦會在作品中註明Mati Ventrillon design的字樣，設計師滿意Chanel的行動，又表示對方「以專業的方式解決」。

設計師、品牌勇於承認錯誤值得學習，但亦有些品牌實在厚顏無恥，例如白手興家的Sophia Amoruso的廉價時裝網店Nasty Gal，2015年Taylor Swift穿著一件Balmain出品的白色jumpsuit出席Billboard Music Awards，Nasty Gal抄款之餘，更於官方Instagram指歌手穿的是自家出品，還得意洋洋地標籤#NastyGalsDoItBetter，貼文一出，Nasty Gal的同款jumpsuit大大細碼火速售罄，之後品牌刪除了貼文，大家都質疑：這是一個故意誤導的貼文，還是Nasty Gal負責social media的員工真的以為Balmain的設計是自家出品。
 

（左）Aquazzura，（右）Ivanka Trump

 
 
另外，侵侵Donald Trump個女Ivanka Trump的同名品牌亦被指抄襲，鞋履品牌Aquazzura的麂皮流蘇涼鞋是其標誌性設計，設計師Edgardo Osorio透過Instagram指出Ivanka Trump抄款，「你一定要把它公開，這是唯一方法，希望有人會注意到抄襲作品的嚴重性，搵律師嘥氣啦！」
 

（左）Isabel Marant，（右）Adidas

 
 
其實不一定是山寨品牌才抄名牌設計，名牌一樣會「抄考」普通設計，最佳例子是你同我都有一對的Adidas Stan Smith，Alexander McQueen那雙厚底白色波鞋最近賣到滿堂紅，筆者敢說它一定是Stan Smith inspired吧，但就賣貴6倍價錢。Vince和Isabel Marant亦有類似設計。
 
大學時，我記得教授講過，“creativity is a matter of choice”，他當然不是叫我們去抄襲，而是鼓勵我們多看別人的作品，吸收養分後，消化再加入自己的創意，沉澱出屬於自己的東西。畢竟，要完全創作出一樣前所未有的東西是很難的，當然我們亦要嘗試革新。以時裝為例，這可能亦解釋了為何市面上有這麼多XXX inspired、XXX-like的設計，因為你睇得多，入咗腦，有時候設計師可能都不為意設計出別人的設計。因此有不少設計師從來不看別人的作品，如Alexander McQueen。
 

（左）Yves Saint Laurent，（右）Giambattista Valli

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何謂藝術，何謂藝術品，定義愈來愈模糊，尤其現今contemporary art當道，藝術品隨處可見。一堆牛糞，放在田野是一堆牛糞，放在MoMA可以變成一件藝術品；一堆電線加幾個懷舊電視機就是藝術裝置；在畫布隨便潑墨就變成Jackson Pollock的藝術畫作。藝術從來都是主觀，喜歡，它就是藝術品，不喜歡，它只是一件陳列品。但當代藝術的興起，主觀被濫用，加上拍賣行的商業手段，藝術的確已經變質。很多人不明白那些天價藝術品的「藝術價值」何在，但的而且確，有人願意花數千萬以至過億元去收藏Jeff Koons、Damien Hirst或村上隆的作品。

Ridiculous？其實藝術和時裝一樣，你喜歡的，2萬元一條牛仔褲都覺得物有所值，不討你歡心，什麼設計都不值一文。不過我等凡夫俗子，又怎會明白藝術是甚麼一回事，值錢不值錢，藝術不藝術，輪不到我們這些賤民說三道四。

Tommy Hilfiger的邁阿密豪宅佔地1萬4千平方呎，擺放了大量藝術品，客廳牆上便掛了一幅由Andy Warhol與Jean-Michel Basquiat於1985年代共同創作的畫作《New Flame》。因為他收藏了大量Andy Warhol、Marc Quinn和Keith Haring藝術品，所以聘請了24小時保安員駐守大屋，非常誇張。

Tommy Hilfiger位於紐約的豪宅大廳亦掛了Andy Warhol畫作。

身家豐厚的Valentino Garavani，物業遍佈全球，藝術品藏量亦非常驚人，各國行宮都掛滿名畫。例如在倫敦豪宅，就有Andy Warhol、Damien Hirst和Francis Bacon的作品。

Valentino Garavani位於紐約的豪宅更誇張，擺放了Fernand Léger、Roy Lichtenstein、Jean-Michel Basquiat和Richard Prince的畫作。

Tom Ford的巴黎住宅掛有Andy Warhol於1978年創作的《Shadow》，跟Eames那張La Chaise椅子很匹配。

Francis Bacon的畫作非常昂貴，拍賣價都是億億聲。而Donna Karan位於曼克頓的7000呎豪宅，也掛有一幅Francis Bacon於1986年創作的《Study of the Human Body》。但原來Francis Bacon是她先夫Stephan Weiss最喜歡的藝術家，是她偷偷地買來送給先夫的生日禮物。Donna Karan個人最喜歡的藝術家，其實是Julian Schnabel。

Marc Jacobs的紐約住宅沒有Andy Warhol或Francis Bacon的超級名畫，他最欣賞反而是近代藝術家John Currin，在他的大廳，便掛了6幅John Currin畫作。

在Raf Simons位於Antwerp的大屋，當然不會看到Damien Hirst或村上隆的作品。在大廳牆上掛著的一排十幅作品，是出自已故美國藝術家Mike Kelley手筆。他的作品對政治、社會和文化充滿批判意識，難怪深得Raf Simons歡心。

Thom Browne的紐約住宅佈置跟他的服裝設計風格如出一轍，而Thom Browne所喜歡的藝術亦相當另類冷門，牆上所掛的兩幅作品，出自Michael Hainey手筆。Michael Hainey並不算是知名藝術家，他是《Esquire》雜誌執行總監，詩人出身的他因為後來喜歡了繪畫才成為業餘畫家。09年他舉辦了一個作品展，其中一幅共十六張的烏鴉畫作《How I Learn to Pray》深深吸引了Thom Browne，之後更將他的作品在店舖展示，Michael Hainey一登龍門，升價十倍。

在眾多時裝設計師之中，我最喜歡Dries Van Noten位於Antwerp的家，他的藝術口味亦有別其他設計師。在大廳牆上的那幅畫作，是20世紀初著名比利時藝術家Léon de Smet，於1922年創作的《Nude and Bouquet》，和室內的環境氛圍，散發濃濃而典雅的藝術氣色。

Phillip Lim位於紐約的新居，擺放了五幅已故美國抽象派大師Cy Twombly的畫作，還收藏了 Louise Bourgeois、Richard Serra 和Ellsworth Kelly的作品，非常富貴。

John Rocha喜歡收藏藝術品，而出身於香港的他對中國當代藝術亦有情意結。他在倫敦的新居，便掛有中國著名當代藝術家張曉剛的畫作。

Simone Rocha沒有父親這麼有錢，所以在她倫敦住宅牆上的這幅Francis Bacon著名畫作《Study for Portrait II, After the Life Mask of William Blake》，只是印刷品而已。

一向奉行簡約主義的Calvin Klein，其家居設計亦非常簡潔，雖然他身家豐厚，但他並不會像Valentino Garavani或Tommy Hilfiger這麼俗氣，在豪宅掛滿名畫。他這間位於邁阿密的大屋，地上只擺放了兩幅著名攝影師Bruce Weber的攝影作品。(這間大屋在今年2月以1300萬美元售出)

近幾年才冒起的新晉美國藝術家Tomory Dodge，名字很陌生，但就得到Isaac Mizrahi的垂青。

Diane Von Furstenberg位於紐約的豪宅客廳，掛有著名中國當代藝術家張洹替她繪畫的人像畫。

Marni創辦人Consuelo Castiglioni的米蘭住宅，亦收藏了不少藝術品，在走廊位置所擺放的，是英國當代藝術家Gary Hume的畫作。其實在2010年秋冬季系列，Gary Hume已經獲Consuelo Castiglioni邀請合作，為該系列設計圖案。

Derek Lam鍾情名氣不大的新晉藝術家，在其客廳牆上所掛的是美國藝術家Sylvan Lionni於2010年創作的《Dark Matter》。

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一天，筆者收到一個陌生電郵，來自一位本地女裝設計師，她說這段時間會在香港，希望可以約我見面，喝杯咖啡，並向我介紹自己的最新系列。
 
我一向欣賞做事積極和充滿passion的人，所以立即回覆她的電郵。
 
約兩星期後的一個下午，我與她在IFC的Angelina會面。其實我有點緊張，說實話，這有點像blind dating。
 
眼前的Kay Li，樣子斯文，纖瘦的她看起來帶點柔弱，說話時才發覺她的眼神和語氣都很堅定。
 

追趕兒時夢

 
這位香港設計師因為丈夫工作的原故而駐紮於杜拜，定期會往返香港，為個人系列進行採購。這位七十後設計師，原來是半途出家，讀書時主修電腦，在科技界工作十年，為何突然會轉做時裝設計師呢？「其實小時候的夢想是成為時裝設計師，但不想父母擔心，所以讀書時選擇較實際的科目，希望將來有較好的出路。工作了十年時間，生活穩定，所以想重拾兒時夢想，做自己一直喜歡做的事。我報讀了ESMOD（位於巴黎的高級時裝藝術學院），學習時尚設計和紙樣製作，2012年便成創立同名品牌Kay Li。另外，畢業後我在一個慈善手袋品牌工作了一年，負責整體運作。賣出手袋的利潤都是用來購買遭受戰爭蹂躪的地方的救援物資。我很認同這個品牌背後的核心價值，這亦提醒了我做自家品牌時應履行的社會責任。」設計師如是說。Kay相信，個人的業務經驗和決心促使品牌的成立。過去幾年她一直屢敗屢戰，從錯誤中學習，一步一步去發掘和了解時裝界的運作。
 

共建創意社區

 
個人認為，港人的本土意識日益增加，但仍然不及哥本哈根或斯德哥爾摩，當地大多數人支持本地品牌。Kay有何看法？生活於杜拜的她，人們對外國品牌的開放程度又如何？「香港人可以輕易地接觸到國際時尚品牌，對於來自世界各地的產品亦唾手可得。但香港的商店空間十分有限，樓價又一直高企，以致本地獨立品牌經營十分困難，在公眾的可見範圍之外。我們需要政府或私人組織更多支持，像PMQ或K11 art mall這樣的項目，為本地創意力量建立出一個社區。在杜拜，當地人對國際和本地設計師的接受能力高，日常服裝他們傾向選擇國際設計師，傳統服飾如Abaya或Jalabiya則會挑選當地設計師。」
 

先網上，後實體

 
Kay Li的設計走簡約時尚風格，結合男女之間的剛柔並濟，以質感的布料打造出耐看的日常著裝。設計師剛剛參加了哥本哈根時裝周，展示出2017秋季系列，系列中不乏各款線條幹練的大衣，設計師以不同細節突顯女性身體線條；巧妙的剪裁令裙裝變得與別不同。Kay目前只經營網上商店，建立一個網址就可以接觸到全世界，似乎不用太多的成本，看似容易卻又困難重重。「今時今日，每個人都可以開一間網上商店，最大的挑戰是在眾多線上業務中脫穎而出。服裝不像首飾，首飾很多時只有one size，大部分客戶都想把衣服試上身，或者觸摸布料。
 
所以我現正努力地尋找一些實體店出售系列，亦希望將來有朝一日可以在香港開設屬於自己的旗艦店。畢竟，生於斯長於斯，這是我最喜愛城市，亦是成就今天的我的一個地方。」
 

孝順的Kay Li年輕時不想 父母擔心，選擇了所謂較 「實際」的學科，之後才發 展設計理想。

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初看安琪的照片，我覺得她很兇，一頭近乎剃光了的頭髮，帶幾分 punk 味，而她所設計的衣服又那麼潮，我對她自然產生幾分望而生畏的防衞之心。怎料，當我在米蘭遇見她，單人匹馬，不帶助手，也不擺架子，不但給我一個超燦爛笑容，更毫不保留地將與我分享一切，她自信、率直、有智慧……讓我對她的經歷非常好奇。

Angel Chen SS17

第一個問號：她來自深圳？

在深圳出身及成長，父母經常因公事周遊列國，鼓勵安琪發展自己的獨特個性，所以安琪早在十三歲已經知道自己的夢想是什麼，就是立志成為一名時裝設計師！「我好鍾意 John Galliano，選讀 Central Saint Martins 也是因為他，受他的作品影響好深，到了十七歲便到倫敦讀書。」安琪本來蓄一頭長長的頭髮，很有少女害羞味道，直至畢業後，明確地找到自己的路向，毅然剃了頭髮，將她儲存在內心的性格和爆炸力散發出來！「頭髮不外是裝飾，現在剃短了，毫無裝飾更可以正視自己的完美和不完美，反而更令我輕鬆自在！」

她在 Mercedes-Benz 2017 國際設計師交流計劃的支持下，超越很多新設計師，成功脫穎而出，首次於米蘭時裝周走秀。安琪的風格鮮明，有很多個人偏好的預設：「以前不敢用顏色，一旦開啟了潛藏在基因裏的顏色基因，我立刻愛上了顏色碰撞的效果，自此我的世界再沒有黑白。」自2014年創立品牌後，安琪以不同文化及風俗為靈感，包括約魯巴人、毛利人的民族服飾、日本暴走族的亞文化、山海經、百鬼夜行等主題，今季則以安琪擅長的手繪圖案為主題，輪廓亦充滿原創性，比例、物料對比都做得相當豐富及出色：「我每季都會先決定物料，才再想設計，因為物料比一切更重要。」

第二個問號：她是如何實現每一季的訂單獲50%的增長？

「父親是做顏料生意的，我想我是遺傳了父親對顏色的敏感度和觸覺，因此熱愛在時裝設計中表達色彩，而幸運地我的母親親力親為，負責品牌的財務、HR、生產線等，母親有生意頭惱，在她的看顧下，我們第二季已經達收支平衡，每季都有 40％–50% 的增長，20% 訂單來自歐美，80% 訂單來自亞洲（包括中國、香港和日本等），在意大利、倫敦及美國也有分銷，香港的 Joyce 及連卡佛也有引入。」

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作家Judith Thurman在《紐約客》2005年的一篇文章總結，「川久保玲和Coco Chanel，兩位都是以平等為前提，認為每個女人都應該從自己的衣著得到舒適和自信。不同的地方是，香奈兒女士，改變了女人原本的穿著方式，讓女人從華麗不凡走上極簡，而川久保玲則扭轉女人對服飾的看法。」二人除了透過服裝改變世界，還有不少共通點。
 

標誌性的個人造型

川久保玲多年來都以bob頭示人，黑色是她的代表顏色，而且她多數著biker jacket，由八十年化開始，時裝騷謝幕她不時被拍到穿皮褸；而在巴黎街頭她被街拍攝影師野生捕獲時亦是穿著黑色或紅色biker。Coco Chanel則煙不離手，無論拍照或幫模特兒fitting，她都喜歡手持香煙，well，法國人嘛！珍珠頸鏈亦是她的標誌，無論正裝或休閒裝她都要戴上。Chanel的短髮同樣是她的標誌，她曾說，“A woman who cuts her hair is about to change her life.” 。

指控與納粹黨扯上關係

 
1995年，猶太人戰爭委員會（The World Jewish Congress）因Comme des Garçons秋冬男裝騷而對其作出譴責，原因模特兒穿著的條紋睡衣與當年納粹集中營中猶太人的囚服十分相似，而1995年恰好是納粹奧斯威辛集中營解放五十周年。隨後玲姐立即把該系列男裝撤出市場，她的丈夫／公司總裁Adrian Joffe曾於訪問透露，「她當時很傷心，她的設計絲毫沒有對大屠殺的暗示，她的設計主題是《睡眠》。」
 

丘吉爾與他的兒子和Chanel

 
 
美國記者Hal Vaughan在其《Sleeping With the Enemy：Coco Chanel’s Secret War》一書中，認為香奈兒是一名強烈的反猶太主義者，其身份為納粹德國反間諜機構Abwehr的特工，其特工編號為F-7124，特工代號為Westminster（威斯敏斯特）；在二戰期間曾在柏林和馬德里為納粹德國執行過任務；由於她戰前就認識好友前任英國首相邱吉爾，戰後Chanel得以逃脫逮捕和審判。品牌隨即發布聲明，在聲明中沒有明確否認香奈兒是納粹特工的說法，不過暗示這本書不夠縝密，指如果是Chanel反猶太主義者，那麼她不會有眾多猶太人密友或者事業夥伴，例如羅斯柴爾德家族（Rothschild Family）、攝影師Irving Penn和著名法國作家Joseph Kessel等等。

因創新而被批評

 
1981年，川久保玲在巴黎發表首個系列“Bag lady/post-Hiroshima”，令她聲名大噪。看慣了優雅高級成衣的法國人，被那些破洞的毛衣、不對稱結構的夾克、褪色的裙裝嚇得瞠目結舌。刻薄的法國時裝人當時更用「廣島原爆裝」和「精神病服裝」形容川久保玲的設計。當時玲姐這樣回應：「與其遭到漠視，我更樂見貶斥或是責難。我喜歡得到反應，即使是批判、失焦的攻擊。總之，有批評才有刺激。」

Coco Chanel解放了傳統服裝對女性身體的束縛，改變了女人原本的穿著方式，讓女人從華麗走上極簡，她使用單面平紋布、寶石仿製品，對抗二十世紀初期極致奢華的高級訂製服，卻遭到另一設計大師Paul Poiret毒舌批評為「窮酸的奢侈品」。Chanel曾說：「我選擇這項職業（時裝設計師），扮演革命性角色，並非想要打造自己喜歡的事物。我的最大願望是趕走時尚中那些我看不順眼的事物。」另外，避走瑞士的Chanel於1953年她回到巴黎重操舊業，她當時已經七十多歲，當時的耀眼新星Christian Dior已經透過“New Look”成功俘虜歐美時裝界。巴黎媒體對Chanel戰後復出的首個系列反應冷淡的，甚至是刻薄的。
 

女性主義者

川久保玲曾經表示，她只為不受丈夫束縛的女人造衣服，「女人應該藉由自己的思想去吸引男人， 而不是賣弄自己的身材， 為了取悅男人而裝扮得性感， 再從男人的慾望中尋求自我的幸福。」至於Chanel，她童年坎坷，一直憑藉她非凡的創造加和遠見白手興家，在時尚界贏得重要地位。當女人還在穿著corset和裙裝的年代，Chanel已設計出線條流暢、不受約束的外形，並在boyfriend wardrobe中拿衣服配搭，可說是男裝女穿的始祖。

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Anais Mak創辦的Jourden是其一例子。她曾經在訪問中表示，與Colette合作及購入她的系列是當時她的最大目標。最後她成功了，更在巴黎時裝周 持續發布個人系列。遇上Colette這位伯樂當然值得開心，但是坦白說，雖然Colette的認同份量已是千斤重，但是往往如走馬看花般，當筆者得悉某某聯乘的消息時，來不及去欣賞，擺設就已被人換走了。所以我說，能擠身Dover Street Market的品牌，才是天荒地老的「型」。
 
筆者沒有在盲目支持Dover Street Market與Comme des Garçons，但如若閣下曾經親身到訪，便能感受當中的魅力了。世上那麼多的時裝店在打「概念店」、「藝廊」等等旗號，但頂多只是放幾幅畫作，然後空間大一點，沒有充分演繹到「概念」的意義，這些小動作只希望叫人感受到租很貴而已。
 
雖然集團的總裁Adrian Joffe早前已曾經說：我認為Concept Store的概念已很落伍，與Luxury一樣，已失去了本來的意義；但是無可否認，這所他稱為”Simple Store”的Dover Street Market時至今日已成為了一所富有特色的時裝店。

1.只見藝術品不見衣物的櫥窗：

 
與一般Comme des Garçons的專門店有別，Dover Street Market終於設有櫥窗，但依然不用貨品擺設來吸引路人，取而代之的是當季的藝術品與項目。

2.beautiful chaos的擺設：

 
Market的意義是什麼？就是像市集般，有點亂、帶點隨意。不過，要「亂」不難，但「亂」同時「美」，就少一點Art Sense都不能了。因此我認為Dover Street Market的Visual Merchandising Team真的很強，強在懂得利用當季的設計製造充滿故事性的畫面。就算沒有購物目的，隨意在這裏逛都能獲得一些啟發。

3.近乎沒有鏡子：

 
這點倒跟Comme des Garçons很相似。因為川久保玲認為時裝的意義在於”Feeling”，不應被視覺凌駕，故此店內的鏡子不多，叫Dover Street Market續寫了這種概念。我覺得這個概念是最有型的，同時真的能吸引一眾懂得欣賞時裝的顧客來店消費，尤其我們很多時照鏡子，其實都是看到自己想看到的東西，故此，這種模式能叫顧客先感覺，感覺對了，才照照鏡子，檢查「尺碼對不對」等等的實際問題。

就如川久保玲曾經說：Dover Street Market就像烹飪般，Comme des Garçons 是主要材料，然後配合不同品牌的服飾，加入不同的傢俱與室內設計作調味；有時，加入一些錯的材料，如南轅北轍般的組合，但卻能帶出一種昂貴的口感。我想這就是我的工作。
 
現時全球的時裝店都好像缺少了一種創新的精神。難得不被商業凌駕的Dover Street Market依然默默耕耘，難怪那麼多時裝設計師都希望自己能成為Dover Street Market的其一配菜吧。

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第一次見Derek（陳進傑）是約兩年前在本地一個showroom，對他的第一個印象是斯文怕羞；再見他時感覺依然，不過對談中發現這位年輕設計師思想成熟，說話有文有路，正在默默地一步一步把自家男裝品牌帶上軌道。
 

香港時裝周着眼點不同

 
港人對香港時裝周一向漠不關心，有些甚至不知道有本地時裝周的存在，慚愧地連時裝媒體亦不大熱中報道，一月份再次參加了香港時裝周的Derek分享：「外國四大時裝周是以fashion show為主導，香港的則是trade show，外國人覺得時裝周是『一件事』，但大部分香港人只關心美食展、動漫節和書展。」的確，像巴黎這個城市，時裝周期間市內的觀景和面貌有所改變。香港呢？就是灣仔會展內的「閉門」event，市內有多少人會注意到這個時裝界「盛事」？
 
問Derek知名的精品店如Lane Crawford和Joyce會否出席trade show，他的表情直接告訴筆者這是天真的想法。「其實也怪不得他們，像Lane Crawford這些級數的百貨公司，以外國品牌主導，即使他們有出售本地和內地的設計師品牌，那些都曾經在歐洲擺過showroom，這是其中一個品質保證。」筆者表示可惜，不是每位有才華的設計師都有資金去外國擺showroom，既然大家都來自同一個地方，各大精品店的買手如果可以抽時間出席香港時裝周你說多好！
 
香港時裝周後兩天Derek出發到巴黎參加當地trade show，這是他第一次帶領Demo.衝出國際，「雖然最後沒有訂單，但這仍然是一個很好的經驗，例如我可以更了解歐洲人的口味，以前我覺得外國人的接受能力較高，但原來有些人對我們較playful的設計會有點保留。所以，如何設計出適合不同國家、不同文化背景人士的系列是一個挑戰。」

設計女裝較 被動轉戰男裝

 
這位理工大學畢業生於2012年成立男裝品牌Demo.，Demo取自Demonstration，「穿衣打扮其實可以展示出一個人的性格和品味。」設計師說。畢業後Derek在本地鞋履品牌工作了一年多，期間參加了貿發局舉辦的Young Fashion Designers’ Contest(YDC)，得到不錯的回響，令他萌生創立個人品牌的念頭，「Poly的教授在看完我的fashion show後，問我有沒有興趣做他的research assistant，當時我又不想再做鞋履設計，research assistant雖然是全職，但時間較flexible，我可以同時做自己品牌。」Derek參加YDC比賽是設計女士晚裝系列，成立男裝品牌是因為自己對男裝更了解。他的設計走現代紳士風格，以西裝款式為主，簡約中見細節。Contemporary classic、soft masculinity 和details是品牌的設計重點，雖然是男裝品牌，但在Demo.世界裏，男性與女性的界線是模糊的，2017秋冬季Derek以圓潤的廓形、充滿質感的布料及反傳統的細節去打破一直被stereotype的性別形像。

難改港人消費心態

 
品牌成立三年多以來，Derek指最大的挑戰是一個似乎不能改變的先天性問題，「香港市場相對地小，我覺得在尋找合適店舖出售自己的設計很困難，你要找到一些定價相若的就難上加難。反而設計方面我可以因應顧客慢慢調節，是可控制的範疇。至於在香港發展時裝設計事業最艱巨的，是港人根深柢固的消費心態，一般人覺得本地設計師的衣服應該要比外國的便宜，他們覺得要花費五、六千的話，寧願選舉外國設計。為何會這樣想呢？這種心態不是一時三刻可以改變。」

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兩年前在已結業的本地時裝店GUMGUMGUM與SKETCHΔROUND 品牌服裝有一面之緣，今天約見做訪問，作品跟兩年前有如脫胎換骨，坐在面前的兩位小妮子，長髮的那位是 Priscilla，短髮的是Kan，二人在2013年共同創立SKETCHΔROUND時裝品牌，推祟「簡約」和「精巧」並立，以及”Originality Surpass Gender”兩大理念。經營品牌三年，推出共七季系列，已成為多家本地、國內和台灣時裝買手店的主打品牌，更獲邀參與倫敦時裝周，作品亦先後於巴黎及上海時裝周展出。設計融合創意和功能性，打破布料和配件的既定框架，將一切歸回「中庸之道」，獨特的定位和跨越時間的設計，讓品牌在時裝舞台上大放光芒。
 
“我們一直都是好朋友，各自離開公司後的一次聚會閒聊分享對設計和未來工作方向，就這樣萌起開設時裝品牌的念頭。”
 

2013年成立品牌，二人共同創作系列，Priscilla（左）更負上市場推廣和branding的重任，Kan（右）則主打負責面料開發和圖案創作

營運基本步：掌握消費者心態

 
曾在外國修讀時裝設計的Kan和Priscilla，畢業後在香港一家高級時裝品牌工作，因而認識彼此。當時二人分別負責日裝和晚裝設計部門，Kan主力面料研發，Priscilla則負責女性化晚裝設計，因而對高級時裝採用的精緻工藝有深入掌握，為個人品牌奠下基礎。從未有遠大的計劃，甚至決定成立品牌也是一次聚會時瞬間的決定，Kan笑說：「我們一直都是好朋友，各自離開公司後的一次聚會閒聊分享對設計和未來工作方向，就這樣萌起開設時裝品牌的念頭。」Priscilla補充：「我們在前公司設計精工時裝，細緻設計通常只應用於晚裝上，我們都想為何不能套用於ready to wear中呢？開始時嘗試先從細節入手，如2014春夏的“Nun Lock”是取材自透明膠條，並用漁絲配合鋸齒式車法固定於頸圍外以優化它的穩固度……」
 
時裝路不算崎嶇，推出首兩季作品時已經有好幾間有聲望的台灣和香港買手店如FILTER – Taste、GUMGUMGUM、Walk On Water、Novelty Lane等引入，為二人提供不同的推廣平台，更易了解客人口味。不少人對五光十色的時裝界充滿憧憬，入行後卻發覺反差太大忿然離場，Priscilla卻奇怪地用「新鮮」來形容設計師的真實生活，「畢業後回港於本地時裝品牌工作，除了創作還要顧及銷售數字，也要直接跟廠商聯絡議價，這樣的實戰經驗讓我們懂得解決營運品牌時遇到的問題，更能掌握消費者心態，學懂如何在創意和市場需求間取得平衡，將理念用正確和一擊即中的手法表達，也蠻有趣的。作品在香港和台灣銷售，市場風格相近但需求是截然不同，香港人較精打細算，喜歡低調、timeless，易穿搭，能打造不同風格的衣服。台灣人對新進品牌接受度很高，我們早陣子就在台灣舉行fashion show，很感受到他們對新進設計師品牌的熱愛，好願意去了解設計理念和背後創作過程，加上引入我們品牌的兩家店主會不斷籌辦活動去教育和吸引顧客，反應更為正面熱烈。有見及此，設計和製作上也就更花心思，比如配件裝飾要求廠家以全人手釘上，大褸內裏即使水洗後也不會縮水，要跟得上大品牌的製作要求，希望以細心位取勝；2016秋冬系列反應蠻好的，有些客人一次過入手幾件外套啊！」Priscilla從一堆樣板中拿起外套詳細的講解。

相信每一件物件都有其獨特的姿態，創作時她們會嘗試改變飾物的既定位置，就如把通常出現在手袋和腰帶上的U Lock放於衣服上。

 
 
‘‘我們很喜歡看《沉思錄》，每次翻看都得到啟發’’
 

中庸之道帶來無限可能

 
說到品牌名稱中的英文字母由 “A” 改成等邊三角形，這是刻劃了品牌重視創作中「傳統」與「創新」兩者間的平衡，談到品牌名牌的靈感由來以至理念，Priscilla解釋：「每種事物都有其特定組合概念，如文字會用筆墨、畫作則是油彩……SKETCHΔROUND是要打破固有框架，嘗試用不同素材去做理念和概念上表達方式，衣服不一定是布和鈕，也可以是五金裝飾，都可以發揮它的功用。」因此，品牌每個系列都回歸衣料本身以至常用物料作為設計革新元素，追求質料上的破格運用，在傳統普及的製衣概念上尋找更多的靈活性，將獨創性更加立體運用，打造出貼近大都市低調時尚的穿衣風格。
 

“Things themselves cannot touch the soul, not in the least degree, nor have they admission to the soul nor can they turn or move the soul…”，工作室窗上貼上一張牛油紙，寫上 的就是《沉思錄》的內容。

 
 
經營品牌三年共七個季度，重溫昔日設計時明顯感受到二人已擺脫初出茅廬的幼嫰，設計更得心應手，二人亦笑說不少人都稱品牌服飾散發出一種禪意，Priscilla分享：「品牌設計一直圍繞核心理念『精工』和『無性別』發展，我們很喜歡看《沉思錄》，每次翻看都得到啟發，幫助我們調整思想和創作路向。《沉思錄》是由古羅馬皇帝Marcus Aurelius所寫的反省筆記，他檢討自己的對與錯，從自身經歷中找出世間真理和行事準則，提醒自己應當如何應對和思考人生諸事；最深刻的內容是提到每種事物都會誕生其特質，人的靈魂亦不會被身邊事物所觸動，反而會自行作出改變和判斷，把一切維持在中性（neutral）狀態就最好……我們套用這理論到設計之中，作品男女合穿，由客人身體自行作出判斷和選擇，女性客人穿上後配合自己的穿搭和氣質，衣服就變成「女裝」吧；因此，只要將事物放在中性狀態，給予空間，它的可能性便是無限，帶來意想不到的效果。」
 
‘‘我們相信每一件物件都有其獨特的姿態，與其花時間思考為服裝添加什麼裝飾，倒不如針對物件本身的潛能？’’
 

從《沉思錄》得到啟發，將設計維持在中性狀態，作品男女合穿，由客人身體自行作出判斷、選擇和配襯，帶來意想不到的效果。

讓Accessories做主角

 
服裝外，SKETCHΔROUND幾乎每季都有自家研發的亮點，如2014春夏的Nun lock、2014秋冬的Bond-Lash、2015春夏的Grounded Buttony、2016春夏的U Lock 和2017春夏的Silver Point，Kan說：「我們相信每一件物件都有其獨特的姿態，與其花時間思考為服裝添加什麼裝飾，倒不如針對物件本身的潛能？我們每次到深水埗找物料，地點也不會局限在鈕扣店，創作時又嘗試改變飾物既定位置，就如把通常出現在手袋和腰帶上的U Lock放於衣服上，叫人驚喜。」衣架上滿滿掛上生產中的2017春夏系列，二人歡喜地分享新作，說：「近來更喜歡用雙面布，2017春夏更將底布反轉使用充當主角，今次主題是“Mind Your Inverse Space”，就是想帶出正反面的平衡關係，一般我們都只留意事物表面而忽視內裏，然而兩者一樣重要，都是不能忽略。」站在用家角度和自身經歷出發，新作在鈕扣裝飾都作出改變，「我們將袖口鈕和外套鈕扣轉用橡筋連接而平常的棉線，原因是讓襯衫手袖反摺變成短袖時能靈活而穩妥地固定，此外，也是考慮到日常脫衣服時的『粗暴』手勢，令鈕扣不易脫落，解決實際需要，加上橡筋的拼色設計，令它在功感和美感上都發揮到作用。」
 
‘‘說到最深刻的合作，是一年前跟香港作家、酒評家兼編劇吳家強先生合作推出的手帕系列…’’
 

喜歡跟不同時尚品牌合作產生協同效應，早前就與紐約手袋品牌PINE43合作，將品牌的衣服和手袋配襯，在巴黎拍一輯styling。

 
 
曾幾何時，二人曾擔心品牌剛起步，樣子又較年輕，很難取得客人或廠商信任；不知不覺過了三年，作品已有不少買手店引入，又得到大量媒體報道，有了這份漂亮的履歷相信也再沒遇上什麼困難了，說回來又鬆了一口氣。曾先後與知名時尚品牌如Swatch、Samsonite、Fitbit合作企劃，將設計理念體現於更多層面的生活品位中，最近又與紐約真皮手袋品牌Pine43合作，Priscilla說：「我們在巴黎時裝周trade show認識，覺得彼此風格配合，便將品牌的衣服和手袋配襯，在當地拍一輯styling。說到最深刻的合作，是一年前跟香港作家、酒評家兼編劇吳家強先生合作推出的手帕系列，我們將他平日搜集回來的布料製成手帕，用作追憶他喜歡的五大作家的文學作品，於手帕絲印每位作家的名字，書本名稱和出版年份，並以印有作家手稿的牛油紙包裹，可說是時裝和文化的跨界合作。我們現在專注於服裝設計上，先讓更多人了解品牌理念，擁有穩定顧客羣後才推出周邊商品吧！」
 

說到最深刻的合作，是一年前跟香港作家、酒評家兼編劇吳家強先生合作推出的手帕系列，用作追憶他喜歡的五大作家的文學作品。

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Calvin Klein

Calvin Klein是Marketing奇才相信已街知巷聞，初創牌就以獨門中性氛圍與極簡主義令品牌成為現今的國際時尚王國，佢並非天生富二代，最初為儲錢開店，不停四處打工更曾在父親雜貨店做店員。
 
生於1942年美國紐約的時裝設計師Calvin Klein，曾就讀美術專業高校(High School of Art and Design)，學生時期已對服裝設計產生濃厚興趣，自修時裝設計與縫紉技巧，希望成立自己的服裝品牌。在籌措資金時，除了在不同的服裝生產商與小店工作，更到父親的雜貨店工作賺取微薄薪金，最終於實現品牌夢。

Alexander McQueen

Lee Alexander McQueen被譽為超現實暗黑鬼才，但佢亦唔係一夜成名，曾經歷過窮困只剩才華，全憑伯樂時裝編輯Isabella Blow購下整個畢業系列，以及出資提供工作室與宿舍，最後才成為偉大的當代時裝設計師。
 
生於1969年倫敦的Lee Alexander McQueen，3歲已愛繪畫時裝，年紀稍長就為三位親姊縫裙，16歲輟學做裁縫學徙。當年由倫敦意大利兩邊跑當學徒，最後落戶聖馬丁藝術與設計學院擔任導師。機緣巧合之下被所長鼓勵讀設計，一邊執教一邊讀碩士。畢業系列被時裝界名人Isabella Blow整套購入，並提供工作室、住宿及創牌協助，最後才成為當代其中一位最偉大的時裝設計師。

Ralph Lauren

Ralph Lauren原名為Ralph Lipschitz，與猶太籍移民父母居於紐約Bronx區，他年少時十分貧困，唯一可以逃離家境現實的，就是到戲院看荷里活電影並想像自己是Gary Cooper和Cary Grant等男主角。經歷多年被身邊孩子取笑與欺凌、以及從軍之後，他到了紐約Brooks Brothers當文員，他看過第一個馬球球賽後，決定以馬球為靈感設立自己的品牌。他只有高校畢業文憑和數堂商業課，憑着自信與微薄的積蓄，首年已賺取五十萬美金，而他至少已是身家擁達七百億的成功時裝設計師與商業家。

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筆者一直喜歡Maticevski的設計，約一兩年前知道連卡佛獨家購入該品牌貨品，我很高興和雀躍，並一直等待着連卡佛把Toni Maticevski帶到香港與媒體見面。訪問當日看到Toni本人，他笑臉迎人向我問好，緊張情緒頓時消失。
 
Maticevski在時裝界不是新名字，這個澳洲品牌成立於1999年，只是近年品牌極富建築美學的廓形服裝才真正得到大家的注意。設計師成熟的剪裁技巧令廓形富volumn得來卻不臃腫；Toni亦擅長使用富質感的布料，誰會想到粗糙的網面能創作出美麗晚裝、登上大雅之堂？除了各款曳地晚禮服，品牌系列亦提供不少日夜皆宜的連身裙，是女士們出席cocktail party或婚禮的不二之選。

Maticevski 2017春夏系列，一如既往，富有強烈的設計感，強調廓形、細緻的剪裁，美麗但不失個性。

 
訪問結束時，我問Toni是否還記得自己與時尚的首個聯繫，他不假思索地回答，「我會說是我母親。當我八歲或九歲，我清楚記得每當她與父親有約會時，她會悉心打扮，無論衣服、髮型和化妝，全都一絲不苟。當時我認為這是一個magical moment，一個自我準備的過程，不單是外表的，整個心理狀態都為這件事情預備。 這種感覺我仍然記住，同時希望透過系列呈現出來，我認為它很powerful。」筆者覺得這解釋了為何品牌的設計一直以來都很evening，即使所謂較casual的設計，仍然帶有一種dressup的氛圍，日夜皆宜，因此很適合都會女性。「我不知道……但我認為系列確實有種evening feeling。我喜歡白天都可以打扮的想法，透過所穿的make a statement，點點over dress有何不可，又無傷大雅。我不認同you can’t be relaxed by being dress up的想法 。」
 

「我認為有時候”fashion”這個字對一些人來說帶有負面感覺。設計師的靈感來自藝術、建築、音樂……我真的很喜歡時裝，被啟發和熱愛時裝有什麼問題？透過服裝把情感連接起來是一件美好的事情，但有些人總是很judgmental。」

近年澳洲的時裝已逐漸擺脫以往人們對其的認知，再也不只是「休閒風」而已，Toni Maticevski是洗脫舊有形象的代表。

 
在墨爾本長大的Toni，十八年前已成立品牌，究竟他如何看自家設計的演變呢？「之前我們做了一個展覽，在archive中翻出了四千件samples，認真地回顧了自己的設計歷程，我發現從一開始，我對布料和素材的運用依然；我喜歡浪漫但不cliché的東西，我喜歡sexy卻對sexual反感。我的作品愈來愈偏向表達出”sensuality”的美感。」
 
2011年開始，駐紮墨爾本的Toni回歸悉尼，在這個時尚城市舉辦時裝表演；在那之前的5年品牌在紐約行show。Toni近幾季到巴黎擺showroom，有沒有想過在巴黎行show呢？同鄉Ellery已在花都舉辦時裝表演了。「我有想過，但我是那種如果跟公式做事就會做不好的人。有時候我認為，當我心血來潮，想向大家展示系列時才創作衣服和圖像，那不是更有趣嗎？不是因為季度為做而做。」
 
成立品牌之前，Toni分別在Donna Karan和Cerruti工作，在時尚圈算待了一段長時間，問他如果能夠改變時尚的一件事會是什麼？「我認為有時候”fashion”這個字對一些人來說帶有負面感覺。設計師的靈感來自藝術、建築、音樂……我真的很喜歡時裝，被啟發和熱愛時裝有什麼問題？透過服裝把情感連接起來是一件美好的事情，但有些人總是很judgmental。」

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訪問當日在一間酒店頂層的餐廳，眼前美麗的維港景色並沒有吸引筆者的注意，我靜靜地等候着Milan Vukmirovic的出現，“Hello! How are you?” Milan面帶笑容，送來一句富活力而且誠懇的問候，有別於一般外國人隨口而出的“Hello! How are you?” 坦白說，Milan散發的親切感令我有點驚訝，因為每次在street snap的出現他都是cool爆的。
 

street style maven

 
Milan Vukmirovic這個名字可能對於大家來說有點陌生，但如果你有留意各大street snap網站，你一定會看過他的照片：skin head、多於六呎的身高、aviator太陽眼鏡，簡單且富細節的造型，偏愛military style；Milan可說是第一代的street style star。大部分人對Milan的認識來自街拍，包括筆者，原來他在時尚圈一直有很多不同的角色：巴黎概念店Colette 的co-founder及buyer、攝影師、造型師和編輯。2015年，他出任Ports 1961男裝系列的創意總監，重回設計師之列。

偏愛military style的設計師把軍事元素融入系列中

 
 
加入品牌Milan直言是筍工，「初次與Ports 1961的CEO和同事開會，他們已一一檢閱了我之前的作品及街拍照片，他們喜歡我的穿衣風格，想我把個人風格帶到Ports 1961的男裝。我常對朋友說，這實在是一份dream job！可以隨心所欲，設計我喜歡穿著的服飾，因此我以非常誠懇的態度去對待。相比起我之前工作的品牌，這裏有很大的自由度，以前做設計我要考慮很多因素，潮流、競爭對手，我有journalism的背景，我會自動顧及到記者編輯們的角度，我想得太多。在這裏我以個人的喜好出發，嘗試設計一些市場上缺乏的item，數年前我開始健身，我發覺很多時裝品牌的設計只有skinny的身材才穿得好看，大碼人穿著就個失去衣服本身的比例。 」

“basic but not in a boring way”

 
Ports 1961的男裝系列以Milan認為男士應該擁有的essential wardrobe為設計方向，2017春夏系列有設計師最喜歡的military風格，恤衫和褲款以軍事元素的刺繡點綴；不嚴肅的恤衫設計，以星星和心形重新演繹的迷彩印花，衣服剪裁都寬鬆舒適，可以說這”very Milan”的一個系列。
 

滿有細節的恤衫是Milan每季的拿手好戲

 
「Colette表示想開始一個新的業務，她厭倦了當時的生意，我對她說，我們為什麼不開設一間商店，我們可以把所有喜歡的東西放在那裏。數天後我寫了一個proposal，我覺得這間商店要成為巴黎人及外國人的聚腳地。」
 

from Colette to Gucci

 
對於Milan多采多姿的時尚旅程，不得不提令全世界時裝都迷趨之若鶩的巴黎概念店Colette，他是其創辦人之一。原來Milan與Colette Rousseau識於微時。「在時裝學院畢業後，我和朋友建立了一個時裝品牌並在倫敦打響名堂，Harrods購入我們的系列，Colette亦是因此而發現了我；另外，當時我的系列在一間店寄賣，我什麼都要做，由設計、包裝、invoice到櫥窗設計，每一至兩個星期我會替店舖更換新櫥窗，Colette很喜歡我的idea，她邀請我為她當時的fast fashion生意做櫥窗設計，就這樣我們成為好朋友。有一次，我、Colette及Sarah（Lerfel，Colette女兒）一同晚飯，Colette表示想開始一個新的業務，她厭倦了當時的生意，我對她說，我們為什麼不開設一間商店，我們可以把所有喜歡的東西放在那裏。數天後我寫了一個proposal，我覺得這間商店要成為巴黎人及外國人的聚腳地，他們不需要到很多店舖尋找想要的東西，這裏有時裝、有家品、有玩具……同時，他們可以與朋友在此午餐，或看一個展覽。他們不一定要購物，但總可以看看有什麼新產品。」在Colette開業前，rue Saint Honore就只有Hotel Costes和免稅店，誰會想到Colette會在這條狹窄的小街道掀起一場時尚革命？Colette開業二十年，Milan認為該店的理念仍然與當初一樣，但它亦經歷了一個強烈的演變，「以前是由我做window installation，現在比較品牌主導；以前有多一點家具，現在就多一些電子產品。」
 

Colette的出現成為潮童與時裝人到巴黎的打卡聖地，亦開始了concept store的先例。

 
 
Colette之後，Milan選擇了Tom Ford，「離開Colette是因為我想重回設計，我讀design出生，我是一個設計師。99年Tom Ford打電話給我，問我是否有興趣加入Gucci做design director，你知道當時Gucci正處於如日中天的階段，how can I say no to Tom!!? 我知道如果不離開Colette，我的生活只會一成不變。與Tom Ford共事期間我真是獲益不少，Tom非常善於營銷以及如何開發accessories lines，現在所謂的it bag、it shoes其實是源自Tom。另外，他獨具慧眼，當年，我跟他在倫敦的studio工作，坐在我旁邊的是Christopher Bailey、Francisco Costa和Clare Waight Keller，他們分別加入了Burberry 、Calvin Klein 和Chloé，我們都成為不同品牌的創意總監，Tom看人自有一套，他富遠見，我很尊重他。」
 

inspirational talk with Richard Avedon

 
Gucci之後Milan來到Jil Sander，在此他遇到Richard Avedon，已故著名時尚攝影師，他是令Milan決意成為攝影師的人。「因為Jil Sander的關係，我有幸與Richard Avedon製作campaign。與你一樣，我也是他的超級粉絲。當年到他的studio傾談campaign事宜，他差不多八十歲，拍攝當日氣氛嚴肅得很，每個人包括我自己都戰戰兢兢。之後，我在米蘭有機會與Richard食飯，我向他透露我對攝影很有興趣，我一直購買並收集相片，但從來沒有拍過照片。他鼓勵我嘗試，生命短暫，不要帶着遺憾離開。」就這樣，Milan開始了攝影，有一年他以假名發布作品，反應出奇地熱烈，問他為何用假名，「大家以為fashion industry很開放，其實不是；當年，圈內大多數人只專注一種工作，他們對於一兼多職不太接受。」《L’Officiel Hommes》於2005年再次發行，找來Milan做主編，他的附帶條件是同時讓他負責時裝大片的拍攝工作。這可算是他作時裝攝影的開始。

Milan為自己一手創立的男裝雜誌拍攝每期時裝大片

 
 
「我相信每個成功故事，不管它是一個時尚品牌，一本雜誌或一套電影，所有創作，它必須是誠實、誠懇並有且靈魂。」
 
訪問尾聲時，筆者問Milan可否告訴我一些鮮為人知的事情，他坦言過去做了那麼多訪問，而他又是一個很開放的人，其實大家應該都了解他，「你這個問題很難答，真的很難答……人們大概不知道我是一個很passionate的人，有時候我令人感到為難，但我覺得你要爭取自己相信的，我的性格絕不容易妥協；我相信每個成功故事，不管它是一個時尚品牌，一本雜誌或一套電影，所有創作，它必須是誠實、誠懇並有且靈魂。如果你做事時只顧及公司、市場或生意，無錯，你會賺錢，但我討厭這種態度，而最後得來的是一樣沒有靈魂的東西。I’m fighting for what I believe。 」
 

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一個剛畢業的時裝設計學生，一天打開電子郵件，收到來自著名倫敦百貨公司Selfridges買手的電郵，說有興趣出售其畢業系列。除了實力之外，還需要點運氣。就是因為Selfridges買手的獨具慧眼，令時尚圈多了一位富才華的設計師―Daniel Gregory Natale。
 
自言對於得到Selfridges的賞識仍然難以置信，「從Parsons畢業後大約一個月，我收到了來自Selfridges買家的電子郵件，希望親身看一看我的畢業作品，然後我就帶上系列走到巴黎。奇蹟就發生了！」生於加拿大的Daniel Gregory Natale因為這樣，有了創立同名品牌的動力。

富質感的布料和不合比例的誇張線條，是Daniel Gregory Natale的一大特色。

 
筆者在Instagram無意中看到Daniel的設計，可謂一見就愛上，即刻上網搜尋其名字，搜尋結果卻寥寥可數。其誇張的輪廓和充滿texture的用料立即吸引我的注意，不合比例的線條似乎和諧地拼湊出沒有違和感的造型，營造出一種獨有、帶有edgy感的禪意。由畢業作品開始，至第二個系列，極大外套與層疊設計都是Daniel的主要設計特色，更可說是其signature。「一直以來，我都以相同的方式去構建系列，並發掘新技術去試驗它的可行性。這是我的設計approach，只要它令我覺得興奮和有趣，我會一直繼續下去。大衣和outerwear是我最喜歡的服裝設計，我喜歡非常戲劇性的分層輪廓，大衣就像一個造型的grand finale，是我們穿上的最後一件衣服，設計一件外套讓我盡情可以大玩比例，不同的構建技術和布料運用。另外，我喜愛layering，我傾向把不同的紋理和布料放在一個造型上，試圖使整體造型看起來有一種一致和有趣的感覺，但不會overwhelming。」
 
別富建築美學的設計與Daniel早期所受的訓練有關，入讀紐約著名設計學府時，他原本考慮修讀建築，而其父親是一位建築師，同時是Daniel對設計產生興趣的源頭。這位設計師對布料進行獨特的處理，靈感與建築有莫大關係。例如，首個系列中，他會以混凝土和液體乙烯基（liquid vinyl）作為布料上的coating，他又以螺絲把布料拼合在一起。

作為新銳設計師，Daniel一定對這個時尚圈充滿憧憬，「在這個世代，容許設計師以各種方式在時尚圈經營自己的事業，你可以遵循”see now buy now”的模式，有的設計師透過在Instagram或其他社交媒體出售整個系列，這不是很好嗎？」

Daniel Gregory Natale的畢業系列被著名倫敦百貨公司Selfridges看中，帶領他建立同名品牌。

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對於奢侈品牌來說，真正賺錢的永遠是配飾和彩妝系列，大費周章的成衣時裝騷只是branding的一個環節。你說願意花費萬多元買一個手袋的人多，還是以同一價錢買一件襯衫的人多？正正如此，大部分成衣品牌成名後都會急不及待推出配飾或副線。但對於sacai，創辦人兼設計師Chitose Abe（阿部千登勢）在品牌成立十七年後，才推出首個手袋系列，以品牌今時今日的知名度，實在令人費解。Chitose為我們娓娓道來。

Sacai以複雜剪裁及混合多種不同物料的hybrid設計俘虜整個時裝圈，就連Karl Lagerfeld都曾公開表示認可與支持這個日本品牌。以sacai近年的受歡迎程度，為何設計師現在才推出手袋呢？「我一直想推出手袋，但我以直覺行事，我覺得今年是時機，以我自己的方式、自己的時間去完成這件夢寐以求的事情。」精益求精的Chitose為了新手袋系列，特意找來Katie Hillier做顧問，Katie一直為各大品牌提供創意諮詢，合作對象包括Loewe、Stella McCartney和House of Holland等，連Victoria Beckham要開發手袋系列時，都找上Katie協助設計。她所累積的配件設計實力，為她摘下2009年英國時尚大獎的年度最佳配件設計師獎。「Katie是我的好朋友，同時我認為她是一個能激發我的設計合作夥伴。對於我提出的每一個想法，Katie和她的團隊會給予我十個不同的想法，與她合作是非常有意義的。」Chitose繼續說，「你知道嗎，兩個人可以有這樣一種類似的creativity是不常見的，我可以說，Katie絕對是一個”handbag genius”，她的建議是意想不到的，與她合作，我們真的創造了一個全新的框架。」

首個手袋系列貫徹Chitose的設計美學，六款設計大玩不同物料的拼貼，如把珍貴物料貂皮和鱷魚皮組合成實用易襯的方形手袋，以及用散紙包為設計靈感的手提袋，特別飾以管狀手挽、鏈帶及麂皮肩帶，組成三式手挽。Chitose表示：「我希望創造一個凝聚品牌精髓、連自己也喜歡使用的手袋系列。對女性而言，手袋是重要的身份象徵，所以我想展示真正的奢華美學，同時為琳琅滿目的手袋市場注入新意，以充滿玩味的現代手法演繹奢華。」

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在訪問結束時，我問Dries Van Noten可否告訴我一個關於他的秘密，他回應：「我不知道，哈哈……我沒有太多的秘密。對我來說，當我做一件事情，我會全情投入去做。我是一個時裝設計師，我充滿熱誠地去設計衣服；我有一個花園，我也以非常熱誠的方式去打理它。」
 
我想，正正是這種非常純粹、打從心底裏的激情，令Dries Van Noten至今仍可以絕對個人化的方式打理品牌，即使時尚圈變得如此的光怪陸離。
 
眼前的Dries Van Noten，穿着簡單的條紋襯衫和西裝外套，帶灰白色的頭髮整理得貼服，他的態度可親，但我總覺得好像有點距離（直至訪問結束說再見）。我不懂得這種「距離感」的產生，是因為我面對面與所謂偶像設計師做訪問（其實用「偶像」來形容Van Noten有點「褻瀆」了他），還是一路以來，他所做的，你會覺得他是位「高人」。他做設計從來不投人所好，他只做自己想做的事情、自己認為對的事情。

設計師對布料要求極度講究，在安特衞普的工作室內堆滿了上千匹布，直逼布廠批發的規模。

independent or not independent?

 
Dries Van Noten是一位浪漫主義者。有時候我們會將「浪漫」與「不切實際」畫上等號。成立品牌三十年，Dries Van Noten仍然百分百保持獨立，其他品牌拚命要發展副線，服裝永遠是這位比利時設計師的重心，鞋履和配飾在他的品牌中，一直是配角，大約只佔系列的20%。令人難以置信的還有Van Noten從來不做廣告，他說寧願把所有資金和設計能量，全部投放於作品，「要說的要表達的在時裝騷上我都說了。」沒有度假、初秋系列，堅持每年只出四個男女裝成衣系列。如果Dries Van Noten一早被大財團注資或收購，今天會是什麼景況？至少可能不會是fashion insider才認識的品牌？「我不知道，我不屬於任何一個集團。這樣我有絕對的創作自由。當然如果我是它們的一部分，一切都會有所不同。樹大好遮蔭，在大團體你有很多優勢，因為他們有power。但現在我很高興，我們每季都有增長，品牌以我們想要的方式成長，so why not？另一方面，作為獨立品牌，這賦予你責任，因為最後我對為我工作的人負責，為我生產衣服的人負責。如果有一天我覺得品牌不能再保持獨立，我會與別人合作，never saynever。」這位比利時設計師浪漫與否，是否不切實際，由觀眾定奪。反正，他不在乎，他只埋頭做自己想做的事。個人認為他是一位浪漫的冒險家。多年來，Van Noten對品牌都親力親為，他可否想像品牌沒有自己的日子？「可以的，我亦希望如此，因為這樣它就可以繼續活下去，我們創造的一切都不會停止。 我身邊圍繞着很有趣的人，我們相信他們可以接管。」
 

出道三十年，Dries Van Noten塑造的美學世界沒有太多的改變，沒有季季不同的「潮流元素」，取而代之是自成體系的時裝態度，像圖中2015秋冬系列，巧奪天工的刺繡與提花織物，包裹着有如工人服般的粗糙橫紋斜布。Dries Van Noten總是擅長以獨特手法衝擊美麗的東西。

stay away from the fashion hub

 
作為當年的 “Antwerp Six” 一分子，Van Noten是唯一仍留在時尚圈的一位。雖然他每季在巴黎舉辦時裝騷，但他沒有為此而把工作室搬到花都。這位比利時設計師將他反市場潮流的能力歸功於安特衞普，這裏是他出生和成長的地方，又是同名品牌的發源地，他認為自己在這裏扎下了根，令他與時尚界保持了一定的距離，獲得了一種獨特的角度。他說：「在這裏，你可以輕聲細語，在巴黎，你得呼天搶地。」從一開始，Van Noten就採用了漠視潮流的approach去設計他的衣服。當大部分品牌都在做那些奪目華麗的服飾，試圖引起人們的關注時，Van Noten只用普通的棉布上衣和棉質褲舉辦一場時裝騷。2004年他的第五十場紀念時裝騷，是一場慶典，富麗堂皇的吊燈與一條看起來望不到盡頭的餐桌，踏上天橋的模特兒，卻是一身純白襯衫。2013年秋冬季一襲手工釘裝過千條羽毛的半身長裙，配襯的卻是一件純棉上衣。還有2015秋冬系列，巧奪天工的刺繡與提花織物，包裹着有如工人服般的粗糙橫紋斜布。「當一樣東西太亮麗完美，我總是忍不住去衝擊它。對我來說美麗需要被衝擊，當一切太完美，便會變得造作而不真實。」做了三十年設計，他依然忠實於自己的美學，在時尚圈中穩步上揚。筆者發現一個奇怪的現象，身邊有不少朋友喜歡Dries Van Noten這個牌子，包括自己在內，縱然大家的風格是那麼南轅北轍，卻不約而同喜歡上它，究竟我們是欣賞他的設計，還是欣賞他這個人？欣賞他的浪漫與堅持？
 

Dries Van Noten對花卉園藝的熱愛再次透過系列表現出來。SS17。

藝術佔Dries Van Noten生命中一個很重要的位置，他的眾多設計由藝術帶領。2014年他於巴黎舉辦展覽，赤裸地與觀眾分享設計點滴，是筆者看過最精采的時裝展之一。

“fashion is not existing anymore”

 
在時尚圈打滾三十年，Van Noten經歷了上世紀八十年代的龐克熱潮，徹底改寫了他的美學取向；到現在設計師明星化、社交媒體成為權力核心，以及時尚體制被衝擊的年代，他認為fashion已經不再存在。「看看現在所發生的：如雨後春筍的高街商店，品牌對媒體的控制，紅地毯與明星對品牌的影響……一切一切……整個體制殺死了自己。我個人喜歡時裝騷發布的東西要等待一段時間才能得到它，『即看即買』的想法對我來說非常可怕。等待你喜歡的設計進入商店的時間創造了一種特殊的感覺。」

be discreet to do anything

 
社交媒體已經成為任何品牌一個不可或缺的部分，但對於Dries Van Noten似乎不適用。「這些年我見證了這麼多的變化，不僅在時尚業，而是整個世界，特別是我們如何溝通。人與人之間的溝通方式變得不一樣，有它的優點和缺點。我們有Instagram，我們玩Facebook，但我想以謹慎的方式去做，就如我們做其他事情一樣。我不想讓品牌無處不在，discretion is how we built the company，很多人問我背後有什麼商業計劃或營銷，我覺得品牌是自然地發展與增長。我不想為做而做，我只會以自己覺得舒服的方式去做。對我來說，設計師應該安分守己，當然你必須要social，你要出席event，但在Instagram賬戶要有三百萬粉絲不是真的很重要，更重要是設計好系列。」
 

醉心園藝的Dries Van Noten擁有自己的花園，把親手栽種的花卉帶回工作室，同時成為他的設計靈感。

 
 
如果你問我，Dries Van Noten的時裝有什麼特色的話，我覺得不是那些復雜細碎的印花，或是富復古奢華感的布料，又或者是強烈而不尋常的色彩，而是設計師投入其中的情感與熱誠。

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