「我一直希望我的作品真實而真誠。我被認為是超現實主義的， 我確實喜歡， 然而使用真實的東西， 人們才能夠認識。它必須是意想不到的， 不尋常的和令人驚訝的，它必須吸引路人。」－－ Leïla Menchari

說一個故事比賣一件產品重要

 
「1923年，我祖父買下了公司位於 24 Faubourg Saint Honoré 總部。當時，巴黎人深深陶醉於櫥窗中陳列的那些獨創而又奢華的擺設和商品，其中包括了一些現存放在博物館的物件和公司早期非常暢銷的商品。」Jean-Louis Dumas 曾在一段自白中回憶說。「櫥窗」對品牌而言是吸引顧客的工具之一，無論意念有多好，總要把衣服飾品展示作軟性推銷；這做法對 Hermès 而言並不成立，因為櫥窗不僅是美麗的起源，更是家族引以為傲的創作。那是現年八十九歲、品牌御用櫥窗設計師 LeïlaMenchari 的舞台，在那裏，一幕幕生命的奇幻旅程毫無保留地與大眾分享。
 
Leïla 自1961年加入愛馬仕，1978開始為品牌總店設計櫥窗至2013年，憑藉天馬行空的構想，三十五年間創作出無數為人津津樂道的作品，愛馬仕集團總裁 Axel Dumas 更稱她是一個無人能及的”Story Teller”。為紀念她的多年貢獻和匠心傑作，愛馬仕家族就在巴黎大皇宮舉辦了名為《Hermès à tire-d’aile – Lesmondes de Leïla Menchari》的主題展覽，將 Leïla 眾多創作中的其中八個經典重現大家眼前。
 
展覽開幕典禮開始，Leïla Menchari 在總裁 Axel Dumas 和藝術總監 Pierre-Alexis Dumas 陪同下進場，Leïla 雖年屆八十九，仍是精神奕奕，身旁經過的人都很恭敬的向她問好。三人坐在會場中央的沙發上，Axel先為典禮作開場白，他輕輕牽着Leïla的手，道來品牌，以至自己與她的難忘時刻，「容許我冒昧的說 Leïla Menchari 已是 Hermès 家族的女兒。回想小時候，我的叔叔 Jean-Louis Dumas，當時愛馬仕的總裁很喜歡帶我和弟弟到 Faubourg 總店看櫥窗，有一次，那個櫥窗是以小麥裝飾，突然有羣老鼠匆忙的走來走去，又驚又喜；不只當時小時候的我們，就連路人每每行過店舖門口，總會帶着期待的心情駐足觀賞我們的櫥窗，希望得到驚喜。
 
「Leïla曾說”The extraordinary is my element”，說的也是，用色如花卉般鮮豔、炎熱如沙漠、如綠洲一樣的青葱，出自她手的作品均充滿東方色彩和幻想力，如奇異動物和植物，或是古代神話中巨大並飾有飛翼的腳……法國著名作家 Michel Tournier 形容 Leïla 是”Queen of Enchantment”，我很感激 Leïla 為愛馬仕的貢獻，她是如此的慷慨，把禮物送給巴黎大眾。今天，我也帶着我的兒子看櫥窗，我曾問Leïla”Isn’t he a bit too young”？她很堅定的回答 “It is never too early to appreciate beauty”。」直至完場，Axel 和 Leïla 的手也是緊緊拖着，演講期間，Axel雙眼不時泛着眼光，對他而言，Leïla 從不是品牌的員工，是好老師，是從小到大的好夥伴；自小他就看着 Leïla 在櫥窗內工作，跟他分享何謂美麗，數十年間的點點滴滴至今，一切盡在不言中。

獨具慧眼 世有伯樂然後有千里馬

 
“With Leïla, the world is a feast.” 在展覽場刊內看到這一句。Hermès 和 Leïla，也許就是上天注定的一對，誰也不能沒有了誰，「我生於突尼斯北部，先後於突尼斯美術學院和巴黎美術學院畢業，所以我有兩個家鄉，對我來說Hermès是一個家庭，當時一個人在巴黎生活，Annie Beaumel 和 Jean-Louis Dumas將我由無助中拯救出來。在我三十四歲的時候，她要求看我的作品集，看看我的夢想；由於我母親是在法院當書記，是突尼斯女權解放運動的先驅，父親則是一位律師，他們總說我太愛做夢，要我腳踏實地做人，這次我的缺點變成了我的優勢。」Leïla回憶說。
 
“Draw me your dreams.”是當年專門負責Faubourg總店櫥窗設計的 Annie Beaumel 跟 Leïla 說的一句話。Leïla 熱情奔放，充滿異國風情的畫風本與愛馬仕高端優雅風格不符，然而 Annie 慧眼識英雄，要求她為品牌標誌性香水 Calèche 設計一款「夢想的馬車」櫥窗，Leïla 就從 Murano 玻璃中得到啟發，提出以海馬拉着一輛晶瑩剔透的開篷馬車的方案，整體方向被接納，Annie 只是否決了海馬，以蜻蜓取而代之，「在愛馬仕的工作坊裏，充滿着無限的可能性。此外，對於結果，必須追求完美，不得有絲毫馬虎。」她說。這個過程，每年必須經歷四次，因為櫥窗需配合品牌年度主題和季度進行交替變換。
 
1961年加入愛馬仕，Leïla 一開始只是手套櫃枱的普通售貨員，就是抓住了當時櫥窗負責人一次感冒請假的機會，為愛馬仕打開了奇異幻想的大門；當時她把馬鞍倒掛，各種產品以出人意表雜亂無章的形式佈置其中……1978年，當時新任總裁 Jean-Louis Dumas 決定把 Faubourg 櫥窗託付給她，此外，他更指定Leïla主持愛馬仕絲綢色彩委員會，為經典方巾挑選色系。Axel補充：「我的兩位意大利朋友，跟我說Hermès對他們來說有點昂貴，但每當前往巴黎，必定會去看櫥窗！櫥窗讓大眾了解品牌的內在，反映了我們是什麼，想說什麼，我們有能力去作什麼。」Axel 說。
 

Leïla在總裁Axel Dumas（左）和藝術總監Pierre-Alexis Dumas（右）陪同下進場，三人坐在會場中央的沙發上，道來這些年來的難忘時刻和體會。

想像力不枯竭要時加灌溉

 
Leïla能擁有這奇妙的想像力，家鄉突尼斯給了很大的支撐，她說：「突尼斯充滿了神奇和秘密，流傳着很多奇幻故事，所以我其實就是在前景中長大的。在法國，情況恰恰相反，大家都非常理性。剛剛來到法國時，我總是覺得這裏的人太愛拿神聖的東西開玩笑了，甚至有些尖酸刻薄。在他們眼中，任何稍微有些浪漫傳奇色彩的東西都是可笑的。」在愛馬仕，在絕對的信任和支持下，她能夠輕而易舉的將所思所夢化為現實，這令她欣喜不已，打從心底卻是感到壓力，因為一旦現實攀升到夢想的高度，獲得了將夢幻化作現實的魔法，那麼要想能夠重複施展這種魔法，就必須懂得如何去滋養它、澆灌它，懂得如何去不斷提升自己操持魔法的水平，豐富自己的想像力使之成為永不枯竭的泉源。
 
Leïla說並非每個出自她手的櫥窗都是如此複雜，她回想起一次的經驗，說：「我做過一個非常簡潔的佈置，幾乎沒有物件在內；那是個海灘的場景，置放以波浪紋的白色大理石雕刻而成的礁石，一副眼鏡和一件泳衣，我把品牌Eau d’orange verte香水噴在街上。當時Jean-Louis Dumas第一個反應是：『但是Leïla，那裏什麼東西都沒有。』之後，他看到一位婦人在嗅，他說 “Breathe, Madame,breathe”，慢慢地吸引了更多人來並堆成人羣。」Leïla分享這個故事，說明關鍵是能夠以不同的方式表達人們喜歡的東西，這同樣套用於今次在大皇宮舉行的展覽，物件是一樣的，卻換上新形象示人。至於最難忘的是1999年”stars and mythology”（星辰）年度主題，「我找來當年大學朋友Albert Féraud，告訴他我想製作一個能在太空旋轉的隕石，要把它放到櫥窗中，這是一個多瘋狂的想法！他用了為巴黎Porte Maillot的Koenig Memorial工作時所剩下的金屬，我不知道他是如何辦到的，但他真的把我的要求實現。」
 
沒有愛馬仕，就沒有Leïla Menchari，這是Leïla所認同的；由於品牌對藝術的無條件無止境追求，為她建立一個無拘束的舞台，將本是無可能的都能一一實現。在她心中，一直住着那個不願墨守成規，不願被傳統約束的小孩，在她一生中，不少譏誚嘲諷隨着她，但她從來不為所動；在愛馬仕，Leïla找到另一片的花園，無拘無束地做回自己。
 

將經典櫥窗重現眼前，展覽開幕當晚， 入口就置放了1995年春夏櫥窗”Partir d’un pied léger”的主角，由 Christian Renonciat 製作的雕塑，十分壯觀。

2012秋冬作品，山洞場景配合綠燈光，鏈條模仿蜘蛛網，猶如奇幻故事中的一幕。

1998年春夏名為《A l’ombre du saule blanc》作品，雕塑由Benoit Luyckx製成。

這是2013年的秋冬櫥窗，黃色燈光配合動物頭骨和豹紋馬鞍，充滿異國情調。

家鄉突尼斯一直是Leïla無限靈感的來源，作品富有東方色彩成為她的標誌，2008年春夏佈置如皇宮般氣派堂皇。櫥窗內擺放的產品幾乎都是展示品，為主題度身訂造，不作發售。

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當設計 Rose 的晚裝時，特別是在首次邂逅 Jack 的紅色裙子，Deborah 說收到的指示是要造一條花枝招展，非常 high-fashion，綴以很多珠仔的款式。裙子細節在 Rose 踏上艇子的圍欄時、扶手時，你能夠聽到畫內音裙上珠仔的叮叮噹噹聲音。導演很懂得用戲服說故事和營造氣氛。

設計《鐵達尼號》戲服中最難的是什麼？Deborah 認為，當 Rose浸在水裡時的戲服最難。因為要保持裙子在水裡仍然美麗好看，有浮動的感覺，Deborah 特別選擇了只有漂染作為製飾的雪紡物料。夠輕的雪紡裙讓 Rose 在水中仍動郁動，營造裙子在水中浮擺的美感。

在片尾沉船時，Rose 一直佩戴著海洋之心 “Heart of the Ocean” 藍鑽吊墜頸鏈，想不到導演給了設計不少意見。 Deborah 說，原本英國珠寶品牌 Asprey & Garrard 曾經非常聞名於製作巨型藍鑽珠寶，導演嘗試用它來作參考，設計出鋪張豪華感。

也許，下次重看《鐵達尼號》時要落足眼力才能留意到這些細節了。

source: CR Fashion Book

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每一個地方都有它著名或擅長的工藝，提到印度，大家可能會立刻想到刺繡。相傳印度人對宗教十分熱忱，他們會在衣服上繡上傳統的圖案，並以釘珠寶石加上裝飾，以表達對神靈的敬畏。經歷幾個世紀的發展和演變，印度刺繡形成了各式各樣的風格和種類，享負盛名。現今大部分一線品牌的刺繡，都找上位於印度不同地區的刺繡工房合作。為人熟悉的法國刺繡工坊Lesage，創辦人François Lesage的兒子Jean-François Lesage，九十年代初遠赴印度的金奈，把當地的超凡刺繡技藝帶回法國。近年印度設計師在國際時尚舞台大展拳腳，Sabyasachi Mukherjee是其中一位代表 。
 

made by couture spirit

 
Sabyasachi專做傳統民族服飾訂製，專做傳統民族服飾。最近與連卡佛合作，設計了一個全球獨家的成衣系列。究竟有什麼促使是次聯乘呢？「品牌的一位買家到訪我在新德里的商店，她為此而着迷，然後問我可否合作設計一個成衣系列。你知道Sabyasachi幾乎不做ready-to-wear，所以我把它當作一個挑戰，我對她說，我可以為你們做一個獨家的成衣系列，但我會以高訂的精神去做。你在這間精品店看到的系列其實是couture，你可以叫它做ready-to-wear，但它卻是以古老的技術去生產，由布料到印花，刺繡到剪裁、縫接；這是一個緩慢的生產過程，當事情需要時間去完成，便顯得更珍貴。」Sabyasachi如是說。
 
是次他為該精品店設計了一系列可穿度高的成衣，線條簡約的小黑裙以精緻的刺繡裝飾領位及裙邊，適合出席晚宴或派對；印花背心連衣裙加上一層薄紗，薄紗上散落着花卉刺繡，夢幻而甜美。
 

Sabyasachi為連卡佛設計了一系列可穿度高的成衣，做工與精神卻可媲美高級訂製服。

from global to regional

 
當談到印度時裝，我們馬上會想起令人眩目的刺繡、珠子和過分裝飾的圖案，「每個國家都有自己的特色服裝，這就是它的獨特之處。例如非洲，我非常喜歡非洲的女人，她們為自己的衣著感到自豪，她們可能沒有穿上 Louboutin 的高跟鞋，或拿着Hermès的手袋，但她們身上的非洲紡織品漂亮極了，作為global citizen，這令她們感到驕傲。曾經有一段時間，globalization全球化引起熱烈討論，但現在大家流行談論地區性，例如Valentino，現在他們不再說Valentino Italy，而改為說Valentino Roma；Dolce&Gabbana則強調自己是西西里人。
 
印度是一個喜歡裝飾的國家，如果你去印度，遇上最貧窮的人，他們可能三餐不繼，但仍然會戴着一雙耳環、數隻手鐲，即使是塑膠造的。這就是印度精神。當我把印度服裝帶到西方世界，我仍然喜歡保留這種印度精神，但我會把它們分開而不是head to toe。比如Gucci，你可以從頭到腳穿上Gucci，又或者你可以把Gucci佈滿豐富珠片刺繡的冷衫配襯一條休閒褲款。今時今日人們喜歡擁抱不同文化，有些人大膽地穿上total look，有些人則認為total look就像戲服。我們都有穿衣打扮的自由，哪怕是把最奢華的一件設計配搭一些basic item，時裝本應如此，變得更有文化養份。多文化正在興起，人們正在學習如何與它們共存。

我記得一次我參與Diane von Fürstenberg位於洛杉磯大屋的派對，出席人士都住在洛杉磯，但他們看起來並不像來自這個地方，衣著充滿個人風格，有人穿著sarong，有人穿著kaftan，有的很北歐風，有的全身都是印花並以印度珠寶配襯，但她不是印度人。這些fashionistas和trendsetters愈來愈全球化。我認為人們接受能力提升，現在有空間把來自不同地方的東西收集起來。」

Collaboration is the most Creative

 
成立於1999年，Sabyasachi過往不時與其他單位聯乘，除了為電影設計服裝，與Forevermark推出珠寶系列，還有最近的Christian Louboutin。而是次合作源於一次尷尬的經歷。「一次我從加爾各答到孟買，途中掉失了行李，然後我就去孟買的店舖求救，借點錢。我穿著睡衣和一雙非常骯髒的拖鞋，我於店內見到Louboutin，然後我問員工他是誰，員工告訴我他是法國設計師，做鞋履的，我心想：天啊！他是Louboutin，Christian看着我說，『這間店很美麗，我想見Sabyasachi，你能告訴我他在哪裏嗎？』我看着我的鞋履尷尬得無地自容，天啊！我眼前這個人做出世界上最漂亮的鞋履，我應該告訴他我就是Sabyasachi嗎？我鼓起勇於表明我是Sabyasachi，Christian看了看我雙腳再看着我的臉，然後我們就談起話來。我們的話題只涵蓋食物、朋友和共同嗜好，完全沒有提到鞋履。很久以後，我們成為朋友，決定要一起做點事情，促成了今次的聯乘。」

Christian Louboutin以Sabyasachi archive的布料打造出充滿質感的男女裝鞋履。印花、珠片、水晶、釘珠和鍋釘堆砌出現代感與異國風情並重的設計。對於collaboration，Sabyasachi特別雀躍，「聯乘的好處是非常dynamic，這不是一個人的觀點，而是兩個人的觀點，甚至是集體的觀點，當你是一個設計師，你的ego會成為重心，我認為聯乘是一個讓你學習給予別人空間發揮的同時，尋找自己的空間的過程。Collaboration是最具創意的，因為當有『阻力』時，你還得找到屬於自己的聲音，這樣會迫使你超越自己的界線，這令我感到最興奮，令個人作品更多元。」
 

Sabyasachi X Christian Louboutin系列，以Sabyasachi archive的布料打造出充滿質感的男女裝鞋履。

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帽子與夢想共通的地方,不是兩者都靠近大腦,而是兩者都能展示一種潛藏的力量:本來大家是看不見的,但是,有了夢想,或者,有了一頂帽子,大家終於看到了。英國帽藝大師Stephen Jones, 向來以夢幻設計為人熟悉,任何在他手上的物料,他都可以變為帽子,為何他總有源源不絕的想像力?「我經常到處旅遊,汲取靈感。」我反問:「我也旅遊,別人也旅遊,為何世上只有一個Stephen Jones ?」這一問,他的眼睛眨了一下,笑容在充滿智慧的皺紋上綻放開來:「別人在旅遊的時候看到天上的一片雲會說:『那兒有一片雲』,但我看到的時候會說:『天上掛了一頂帽子』。」

英國帽藝大師Stephen Jones說Christian Dior在1947年前曾從事帽子創作,設計富有啟發性,所以Stephen為品牌設計帽子的二十多年以來,常以他為榜
樣。 圖為Christian Dior為Claude SaintCyr創作的手稿,Claude Saint Cyr女兒Christine Labrune收藏系列。

「二十年前我只做夢幻系列,今日我將創意、夢幻、舒適和實用平衡。」

上世紀九十年代開始,二十多年來為品牌主理帽子設計的他,對帽子與衣服,有何看法?他與Maria又如何配搭?「作為一頂帽子,夢幻與實用是相輔相成的,高級訂製系列年輕女人穿去派對的裙子,同時必須是實用易穿的,否則這條裙子只能存在於虛構中。二十年多前我只做夢幻系列,但今日我將創意、夢幻、舒適和實用平衡,現在我會考慮Maria想要什麼、女顧客想要什麼,今時今日的女人經常四處出國,所以不能戴太大的帽,帽子的舒適度是首要條件。作為一個造帽的人,我要有一雙聆聽的好耳朵,細心聽聽不同的聲音與意見,在創作的過程中,Maria的意見是重要的,但當一頂帽子放在一個顧客的頭上時,那個顧客的意見才是最重要的。」
他對New Look、帽子與女人的關係有更深的啟發。「很多人對時裝的理解,僅是指衣服本身,但在New Look的定義來說,衣服只是整體的一部分,衣服之外,尚且包括帽子鞋履,但帽子首先被人看見,所以很重要。」
 
Stephen Jones還說:「在創辦人未設計NewLook前,他一直在做帽子設計呢!」怎樣才是一頂好帽子?「讓時裝正確的做法,就是令它在適當的時候、適當地出現在一個適當的地方。時尚,跟right timing和total look很有關係。1947年設計的New Look時,它適合那個年代的女人,隨着繼後的設計師們將那個New Look轉化為新模式,因此它必然有timing的,同時又是timeless的,它能隨時代一起轉化、持續及煥發新鮮感。」
 
在這位帽子大師的眼中,當代掌舵人Maria又如何將這個New Look在適當的時候以適當的姿態出現呢?「告訴你一件事,我與Maria合作的模式:事前我們會討論,我也有畫圖。每次當我將hat sample從帽盒裏小心翼翼地拿出來時,我都有點緊張,大部分設計師都會將hat sample放在mannequin上,左放右放,叫我改鬆或改小,但Maria的模式很不一樣,她會問我:『Stephen,我能試戴嗎?』這是她作為女設計師的獨特之處,因為她能親身去體驗女性的貼身需要。」
 

今時今日的女人經常四處出國,所以不能帶太大的帽,帽子的舒適度是首要條件。

英國帽藝師Stephen Jones,向來以夢幻設計為人熟悉,任何在他手上的物料,他都可以變為帽子。

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黑漆中，火花點燃起來的時候，離光明，不遠矣。 這種意境，很能代表九十後年輕新晉設計及工藝師陳絲瑋（Savia）。 她以創作療傷，迸發創造力，由音樂、攝影，走上金工工藝之路，受日本金継陶瓷修復的精神影響，運用韓國幾近失傳的 Keum Boo 手法，創作一系列彰顯不完美的首飾，好讓自己明白到，人生的重建，不在費力掩飾裂痕，乃是將之真實地呈現並表達自然之美。
 

WHEN THERE’S GOLD, THERE’S A STORY TO BE TOLD

 
陳絲瑋，生於 1991 年，走上金工的路，卻比較迂迴。她本來是讀音樂的，自小受久石讓的音樂影響，中學畢業後遠赴奧地利專攻音樂，主修 piano performance，可惜當時壓力太大，課餘便以攝影創作來減壓，怎料卻得到音樂教授這樣的評價： “your eyes are more creative than your ears “，因此 Savia 發現了自己在攝影上的觸覺比音樂更敏銳，畢業回港後索性在攝影方面發展，以自由攝影師的身份，為時裝品牌拍攝。
 

陳絲瑋將這種日本金継修復精神，具體地呈現在系列上，也使用了罕見的韓國Keum Boo技巧，以高溫將真金及純銀融合。

 
 
二十三歲，本應是追夢的年紀，當她正蓄勢待發當一名時裝攝影師的時候，卻因摯愛的母親突然離世，令原本樂觀的她頓然失去方向及依靠：「我的世界好像突然倒塌了，所以我要自己停下來，想一想到底前路要怎樣走下去，於是我決定要再進修。」她從興趣出發，自小喜愛金工手藝，便將精神及注意力，放在金工工藝上，以創作來療傷。最初參加中環工作坊學習，後來決心拜師英國金工工藝師，全日朝 10晚6，潛心修藝，待在一張小小的工藝木枱上，不倦地學習及鑽研，後來把心一橫，在上環租了co-working space 形式的工作空間，全職製作她的心血結晶，並成立品牌 Atelier Hon’ne。
 

Savia走上金工工藝之路，受日本金継陶瓷修復的精神影響，運用韓國幾近失傳的Keum Boo手法，創作一系列彰顯不完美的首飾，好讓自己明白到，人生的重建，不在費力掩飾裂痕，乃是將之真實地呈現並表達自然之美。

 
 
如此看來，陳絲瑋算是自學成材，尤其是首飾設計和理念上，未受學院派理論浸淫，但在呈現完整的意念及設計，確具天份。她的系列，受日本傳統工藝Kintsugi（金継ぎ）啟發，Kintsugi技巧本來用作修復陶瓷，曾有一首詩名叫《Kintsugi》，其中一句是：「人生總有高低起跌的時候，但着眼點不應停留在跌倒或破碎了的地方，而是如何去重建，重建不必費力掩飾破碎之處，意在呈現自然而然的自己。」陳絲瑋將這種日本金継修復精神，具體地呈現在系列上，也使用了罕見的韓國Keum Boo技巧，以高溫將真金及純銀融金地一起，其中一枚指環，名叫embrace（擁抱），設計上運用兩邊純銀緊緊夾着中間的純金，風格貫徹自然美，追求不是完全無瑕的計算或打磨，而是呈現破損、缺口、不完美的美。
 
她的設計，代表了她自己，也是令她前進的動力，很有治癒性。
 
 
http://atelier-honne.com

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王君馨婚禮現場

王君馨婚禮現場 (Photo： Marco M Chan)

 
 
王君馨今日終於回港舉行婚宴，相信好多人都期待Grace會揀邊套婚紗，但原來佢重着拍攝婚照時，其中一套非常性感嘅大露背高釵婚紗登場，背後設計師Marco M Chan今日亦都係現場見證Grace開心時刻。Marco就話原來君馨重穿婚紗，係因為度身訂造唔想浪費，想以環保為主，就例如另一套西裝婚紗的白色西裝可以婚後重穿。而今日揀呢套婚紗出場，係因為香港天氣比較熱，這款設計比較輕盈，性感得來又切合Grace烈女剛柔並重個性，亦令新娘行動更加方便，而佢亦會在婚禮當中，換上拍攝婚照與美國婚禮時的幾套婚紗。
 
另外姊妹團亦與美國婚禮一樣，重着各有特色嘅灰紫色姊姊裙，與配戴Grace與香港飾物品牌DearBell一同創立的Dearest Grace設計飾品，示範婚禮都唔一定要換幾套衫，只要一套最合身、最適合自己嘅就夠。不過亮點之一衛蘭，絲質西裝加闊褲着得又矮又肥，夾到姊妹團隻色tone與絲質，但又將自己身型弱點完全曝露，仲要睇得出係特地認真揀過…真係出事。

Photo：王君馨Instagram

 
 
深入民心的「花曼」王君馨（Grace），早前傳出與圈外男友Daniel已簽紙結為夫婦，即將在7月11日舉行婚禮的他們，近日發佈了遠赴歐洲拍攝的浪漫婚照，真的甜蜜得羨煞旁人！但婚照上最吸晴的，必定是王君馨身穿一套超性感西裝婚紗，既能突顯出她的身材曲線，更帶「花曼」式的率直有型打女格，與一般傳統婚紗截然不同。雖然婚紗被定義為「爆乳」神器，但其實本地婚紗設計師Marco M Chan與Grace共同商討設計時，並沒有特地展露身材之意，得此效果實屬意外，明氏是次特意邀請設計師進行了一個訪問對談，了解設計背後的理念與過程。

Photo：Marco M Chan Instagram

MING’S：為何會有西裝婚紗這個概念？

 
Marco M Chan：Grace其實屬意比較classic嘅設計，唔希望設計太過特別或奇怪，我覺得佢嘅性格好爽朗，唔係一啲婆媽、嬌滴滴嘅女仔，就覺得西裝好襯佢。本身想做褲裝，但做褲又好似唔夠classic同everlasting，最後成品係一件西裝褸加半截裙，裙擺長及小腿、唔拖尾，令整個造形斯文得來又唔會太累贅。另外西裝褸可以係影完婚紗相後重着，更加實用。

MING’S：設計婚紗時，有為突顯她的曲線優點作出特別的考慮與剪裁嗎？

 
Marco M Chan：佢本身做好多運動，所以身型相當標準，本來只係做一件西裝褸，因為量身訂製關係一定會fit身，無打算做束衣。但Grace覺得出去影外景唔夠安全，先後加一件裸色束衣，唔希望令婚紗原設計受影響，所以無特別加墊只係有少少鐵線，一直到試身時先發現令佢胸部曲線特別突出，實屬意料之外！

Photo：Marco M Chan Instagram

MING’S： 婚紗的靈感來源自？

 
Marco M Chan：婚紗特別為佢去歐洲影婚紗相而設計，靈感係來自佢所選擇嘅攝影地方，例如佛羅倫斯已經係一個好浪漫嘅地方，當地景致已經相當豐富，所以我就盡量將設計做得簡約，用米白絲質配襯當地雲石、紅磚牆、木門，當日光照射落婚紗上亦會比較自然，唔會太造作。

MING’S：用了多少的時裝完成設計？

 
Marco M Chan：都大約做咗四至六個月，因為我個品牌婚紗系列全部選用法國真絲，等布料運到都要一定時間。另外一件高領婚紗上的釘珠是印度手工製作，Grace希望婚紗好似主耶穌身邊嘅天使，所以釘珠手袖就好似一對保護佢嘅翼。揀印度釘珠係因為我覺得當地釘珠技術係最新，款式亦係最高貴、有創意亦多元化，好多謝Grace信任我並用心等待。其實我哋已經準備好Grace舉行婚禮當日穿着嘅婚紗，相信大家都相當期待！

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你我也許都想像不到昔日老土沉悶的韓國，竟在這十年二十年間迅速發展成今天的局面，在美容、科技和時裝一下子就躋身國際，連亞洲老大哥日本都被她比下去；且看看昔日追日劇、聽日文歌、追求 made in Japan 服裝和美容用品的女性，現在也轉投韓國的懷抱去了。不像巴黎，韓國沒有高級時裝的歷史根基，也沒有倫敦和美國鼎鼎大名的時裝院校，卻能在十年間來個翻天覆地的轉變，憑的是什麼？政府的支持、大眾對轉變的渴求、年輕人掌舵的時裝業、K-pop 文化……一切因素都讓韓國時裝不斷地發酵和進化。BOURIE、ROCKET×LUNCH、NOHKE，三個新冒起的韓國年輕設計師品牌，就讓主理人解解畫，拆解大眾對韓國時裝業的迷思。

PUSHBUTTON是較早打入國際市場的韓國品牌，富趣味、大膽用色和誇張剪裁的設計傳遞歡樂感，引起大家對韓國時裝的興趣。

韓國的實驗精神

 
Doo-Ri、Woouyungmi 和 JUUN.J 是打入國際時裝市場的先鋒，讓韓國設計師在國際間佔得一席位。那邊廂，以紐約為基地的時裝網上平台 “Fig Collective”，由一眾年輕和前瞻性的韓裔美國人組成，專門引入小眾、具潛力、年輕和 unisex 的韓國品牌而聞名，品牌其中一名創辦人 Janne Chung 在接受《Highsnobiety》訪問時曾提到韓國時裝的獨特性，她說：「韓國時裝設計都擁有無畏的親和力去調整以適應消費者需要，這是品牌成長和發揮影響力的重要資產。此外，K-pop 是一大催化劑。K-pop 明星的增長和影響力，還有他們的支持者……都在傳遞韓國時裝的新面貌予國際。」街頭時尚在韓國吹得正盛，當地不少品牌都乘着大勢推出街頭時尚服飾，市面上也有大量抄襲款式，對象固然是炙手可熱的 Vetements，那件超大碼並於手袖印字的連帽衞衣榮登榜首，然而，Vetements 創作總監 Demna Gvasalia 卻認為這現象十分有趣，在2016年10月正值首爾時裝周期間，在首爾郊區舉行快閃 Garage Sale，售賣 Vetements 與 MatchesFashion.com 合作推出的 “Official Fake”Capsule Collection，Demna 曾在《W》一篇訪問中提到：「韓國正處於九十年代的日本，她擁有令人難以置信的大眾文化，叫人大感有趣和驚訝。」沒有百年的時裝藝術文化作支撐，韓國擁有的是卻是「青春」和「活力」，時裝設計師透過獨特的技巧構建出新思維，將傳統的性別規範和框架除去，就如韓國男性會化妝，大膽嘗試不同輪廓、強烈色彩和印花的服裝，這從前都是女性的專利呢，可見「敢於嘗試」也是韓國人成功元素之一。

Demna Gvasalia在2016年10 月正值首爾時裝周期間，在當地郊外舉行Vetements快閃Garage Sale，成為熱話，亦表示對韓國時裝文化十分感興趣。

現象一：速食時尚生態

Eunhye Jo 先後於韓國Samsung Art and Design Institute及法國 Académie Internationale Coupe de Paris 修讀時裝課程，兩地文化衝擊下使她懂得在時尚和永恆元素中取得平衡
 
首爾算是港人的購物天堂，服飾以平價而富設計感見稱，香港就有不少時裝小店店主定時到當地入貨，對於當地一眾時裝設計師而言，這也許會無形的傷害講求創意的時裝工業，韓國女裝品牌 BOURIE 設計師  Eunhye Jo 說道：「遊客來首爾買廉價產品，對設計師來說當然是壞消息；如果用國家的大小來比較，韓國時裝已佔據着國際間重要的地位，只希望有一天大家能認識多點不同設計師和品牌。」
 
設計師 Eunhye Jo 訪問當天穿上自家服裝，一身全黑打扮，西裝外套飾上喱士點綴，褲上長裙和黑靴子，看上去很有 COMME des GARÇONS 女性的味道，訪問之下，才知道她是 CdG 的粉絲，Yohji Yamamoto 是她另一心愛品牌。「時裝是以人為本的藝術，同時是一種殘酷的生意。昔日時裝被社會以階級劃分，現在的則講求不同文化的共存，性別界線變得模糊；今天，我們能毫無保留地認識自己，了解與我們不同的東西，並且自由地表達想法，有更多樣化而廣泛方法表達女性美麗。韓國時裝進入急速改變，不斷成長再轉化的狀態。我認為世上再難以找到類似的國家。」她補充。

BOURIE在法語裏有「掌控財富」的意思，表現了一種既經典又不失前衞的風格，重新詮釋了前衛時尚和女性美的傳統文化的服裝。
 
韓國時裝的急速發展，NOHKE 設計師 Jung Mi Sun 卻有另一番看法，她試圖用國家的歷史來解畫：「個人而言，我覺得韓國正處於文化力量從被抑壓到爆破的時刻，半個世紀前我們正經歷戰爭，我們得到『漢江奇蹟』的戰爭遺迹；在這個經歷下，我們一直未有將文化能源充分發揮的機會，在幾代人交接後，也引發起不同文化面貌；我們現時受到很多關注，因為這是一個很不尋常的運動，它是平靜的，但充滿熱血與動力。一段很長的時間，東大門的低價貨品十分出名，但不要忘記，同時也有很多韓國設計師面向國際。現在網絡盛行，我們能跟顧客在網上溝通，讓品牌不再有地域限制，同時擁有世界級的品質。」ROCKET × LUNCH 設計 師 Jinwon Woo 則補充：「價格競爭是營商中很重要的元素，然而對於設計師品牌，價格高低並非首要考慮；但不得不承認，市面上平價服飾的確會影響韓國時裝在大眾的身份地位。它們固然不會影響到我們，因為走的路線和客羣不同，但也很值得我們反思，今天作為設計師我我們更要確立和堅定信念。」

現象二：「可持續」和「時裝污染」的看法

Stylenanda是韓國著名 fast fashion 店，快速的上架節奏和親民價錢風靡一眾少女。

不少店主和遊客都喜歡到首爾東大門批發市場買貨，凌晨時分亦十分熱鬧。

 
 
快時尚店在首爾市內林立，不少遊客都遠道而來購買批發廉價時裝，Jung Mi Sun 分享：「市面上有太多不必要的產品被製造，無目的地被買下再輕易被拋棄。時裝業對環境造成污染，生產商和消費者也感到絕望。可是，經歷過不斷的 trial and error，也許他們會變得更成熟，將生態系統進入更健康的方向，這是我所相信的。我認為品牌應要幫助消費者在購買的同時，能更清楚了解現時的問題和處境。很多人都說 “Buy Less. Buy Better”，事實是我們不需要如此多產品和資訊令我們生活更快樂；生於資訊和物質氾濫的年代，我們更難去懂得找出適合自己的東西。我相信，根據自己的風格和生 活方式去選擇真正需要的產品，能讓生活變得幸福。現時國際時裝業的快速步伐是可笑的，只有大企業才能跟得上節奏吧？這個行業不同部分應要改善，達至健康的時尚生態系統。現時與世界市場進行實時在線溝通，即使是小品牌都有機會創造自己的節奏。」也許擁有這想法，也促使品牌走向務實方向， Jung Mi Sun 筆下的 NOHKE，表現出現代女性對生活充滿熱情和能量，她相信每個人都擁有獨特的美麗和身形，好的設計是自然的將美麗和優雅釋放，她補充：「我的作品不是為了製造夢幻世界，是為現實中的女性而設；今天，韓國的女性對生活十分進取，聰明和充滿熱情，我的設計就是要反映出以上元素，創造出跟其他品牌不一樣的氛圍。」

NOHKE設計師 Jung Mi Sun

 
 
Eunhye Jo 則說：「讀書時，某日韓國時裝設計師 Doo-ri Chung 來擔任客席講師，一位同學也問了相同的問題，她的回應至今也是我的座右銘，『當這件衣服你很容易買得，就等如你在超級市場購物一樣，也會很快掉了它。這樣持續下去，就會造成環境問題。我們都難以成為環保人士，但設計出不會輕易被掉棄的衣服，這至少是設計師可做到的事。』」

Jung Mi Sun 堅持作品是為現實中的女性而設，不是要為她們虛構夢幻。

延伸閱讀：韓國時裝迷思(下)

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又是一個「嬲」字：Philip Treacy、Isabella Blow 與 Alexander McQueen。這個「嬲」字，不單是時裝人心中會聯想到的人物組合，同時是Google的建議搜索關鍵字。

Philip Treacy Haute Couture FW 2001

 
 
Alexander McQueen的時裝表演往往因為Philip Treacy的帽子而昇華，英國皇室、Lady Gaga等人都愛他的作品，是現時唯一能穿梭上流社會、藝術殿堂與大眾文化的創作鬼才。回望他2001年的秋冬作品，依然具有前瞻性，形態與顏色往往營造了超現實的觀感。

Philip Treacy Haute Couture FW 2001

 
 
但原來這位大師的經歷，是一個勵志的故事。他早於1967年，在愛爾蘭一個小村落出生，家中八兄弟姊妹排行尾二，有一位餅師父親，而母親則是家庭主婦。在他的童年，當別人還在柴娃娃地玩耍時，他對媽媽的縫紉機已產生興趣，喜歡替家中的洋娃娃設計衣服與帽子，甚至利用家中的動物羽毛，轉化成他的創作材料。Philip Treacy 一生的帽子歷程，就此起航。

Philip Treacy Haute Couture FW 2001

 
 
但是，在講金不講心、怪獸家長當道的香港，我們或許窮得連一位 Philip Treacy 的都容不下了。

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「囝囝年紀尚小，在現階段，我會讓他盡情探索，
吸收多方面的事物，只要他有興趣的，即管去玩去試。」

編織幸福圖譜

 
對手藝和時裝的熱愛，原來不止於李媽媽和Rose兩代傳承，李媽媽的外公也是一位洋服師傅。自小跟隨外公外婆在廣州生活，李媽媽對各種裁剪、縫紉手藝早有認識，至十一歲初次接觸鈎織，「鄰居靠鈎織品外銷歐洲賺錢，我們小朋友沒事幹，貪得意學着，沒有限制，喜歡什麼便鈎什麼。」純粹貪玩學得一門手藝，卻足以令兩代受用。
 
婚後育有四女，李媽媽全職照顧家庭，卻沒有放下個人興趣，幾名女兒的服飾全由她親自設計及製作，又視手作為親子活動，從小教她們刺繡、鈎織。Rose回憶童年點滴，家裏任何時候都是DIY工作室，「我們連種花也是實驗，原本單色的花，我媽教我們培植成雙色；我們刨鉛筆剩下的碎屑，又教我們砌成圖案。」
 
兩母女關係像朋友，有共同興趣，也有不少瘋狂經歷。「我和Rose第一次去日本，看到當地有很多鈎織參考書，想也不想便大手掃貨！我們不會日文，也不能看圖就懂，但當時完全沒有考慮，連工具也買齊！」回來後，對着大堆日文書無從入手，Rose從網上搜尋，竟然發現書中所介紹的鈎織圖案課程，於是兩母女齊齊報名，學了一小時便學會。

（左）PANDORA 十二月藍水晶P25銀戒指$449、（右）PANDORA 之心珍珠白鋯石P25銀戒指＄799

 
可能是先天遺傳，也可能是後天薰陶，Rose從小表現出藝術天分，中學畢業後修讀時裝設計，「我做時裝設計之餘，也有做styling的工作，會手做一些配飾給artiste、model配襯，有時朋友結婚或生BB，我也會親手做一些飾物作賀禮。朋友們都很欣賞這些作品，在他們不斷鼓勵下，我便嘗試建立個人品牌。」
 
最初由樓上舖開始，Rose負責產品設計，媽媽一手包辦製作。「有時我媽看我畫的設計圖會說：『你這樣畫不行，根本做不到！」但我也不易妥協，會叫她再試。我媽是不服輸的人，廢寢忘餐也要做到，結果通常就這樣取得成功。」
 
創業路不易走，直至遇上好友Peter（現時丈夫），品牌重整路線，服裝不再全件由人手鈎織，而是將鈎織放在細節，大幅降低成本，也保留重視手藝的品牌價值。公司轉型，李媽媽也沒有閒着，由於產品的鈎織部分依然靠人手製作，李媽媽掌管鈎織部，與多位鈎織師傅緊密合作。
 
Rose年前誕下兒子Darren，小男孩未夠兩歲，Rose貫徹媽媽的主張，讓孩子自由發展。媽媽和婆婆均手藝高超，小小的Darren可有顯露出這方面的天分﹖Rose想了想，笑說：「應該有，他現在已會自己襯衣服！有時我們幫他穿好衣服，他會自己揀鞋，而且並非胡亂配搭，而是襯得有板有眼。」
 
從母女檔、夫妻檔，再到三代同堂，這盤家庭生意四年來與Rose一家人共同成長。「以前讀fashion會覺得時裝是一件好型好cool的事，但我心裏有疑問：為什麼fashion不能夠warm﹖品牌由手作賀禮開始，送禮本身就是一份心意，我希望從產品中令人感受到愛。」

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X代同堂

收藏古著時裝，或者由「當季」儲到變成「古著」的時裝，年份除了記錄了歲月，增加了「愈古愈罕」那種最基本的「價值」之外，即使同一款型號的產品，經歷了不同年代版本的變化自然不一樣，如果我說同一樣 Nike Air Jodran 1 雖然一直是經典的紅黑白組合，但最原裝的八十年代版和後來的多次復刻，因為科技和其他外在因素的不同，出來的成品在細節上還是有很多出入的，這樣會比較易明白嗎？有人喜歡先進的東西但有人會懷念土法，便是收集者的趣味了。
 
還不理解的話，你想想同為 Levi’s 501，1853 年那條初版和 2017 年的也不可能是 100% 的 clones 吧？

先說「好設計師的身份」吧，一個 fashion house 在一百幾十年的歷史中，換過的 designer 該不少吧，比如說 YSL，聖羅蘭祖師爺和 Tom Ford和 Stefano Pilati 和 Heidi Slimane和其他設師時期的作品，在不同用家心中的意義和價值不可能一樣吧，所以買衣服，年份還是要講的。又比如 Alexander McQueen 在 Givenchy 當首席設計師的日子短，當時也不算聲名大噪，所以任何能在二手市場找到的都是珍品。
 
另外一個天才的才其實也有狀態之分吧，總有「師父到」所以美絕天下的一季和「行衰運」所以稱不上留芳百世的一季吧，舉個例，1991 年春夏的系列，是 Yohji Yamamoto自己都常常找出單品推出 replica 的一季，還有 Nicolas Ghesquiere for Balenciaga 2007-2009 那幾季是好多時裝是好多時裝精推舉的當代經典，但有些當時因為有點太超前，銷情並非很好，所以識儲梗係儲呢啲。

「社會性」的講年份

Vetements S/S 2015

 
 
近年我發現還有一種「講年份」，今次則與「濫紅」有關，即是本來有趣的品牌和作品，突然被一班「你不想和他們 share 衣服／品味／vision／喜好／形象的人」深深愛上兼形影不離，你便唯有割愛，甚至可以說跳船逃生，舉個最明顯的例子，Vetements！它的分水嶺是 2015 年秋冬系列吧，拿得出這個季度或之前的，方為真正「慧眼」，只穿之後的呢？哈哈，這種人有個統一的稱呼，你猜猜是什麼？（提示：三個字）

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